NOS MUDAMOS A www.tecat.com.ar

Nunca hice este post, me había olvidado, pero desde marzo y en adelante, la dirección oficial del boog del TECAT es www.tecat.com.ar

Los esperamos ahí!

ABIERTA LA INSCRIPCION 2008

Interesados dirigirse al blog queeseltecat? o por e-mail a tecat1@gmail.com

Nota a Régine Debatty

Les presento el reporteje a Régine Debatty, la blogger que escribe los más interesantes reviews de lo que pasa hoy en el mundo que vincula el arte con los nuevos medios (foto wmmna)

Blogger de 'We make money, not art'

Régine Débatty: ''los artistas deben abrir debates éticos sobre la ciencia''

Por Juan Castro (Santiago, via Galiciae)

Desde hace cuatro años, Régine Debatty alimenta incansablemente, We make money, not art, una de las ventanas sobre sinergias entre arte, tecnología y cultura más inspiradores y estimulantes de la blogosfera. Esta belga hiperactiva visitó Santiago para participar en el congreso 'Investigar la Comunicación'.

Pregunta: Como crees que ha cambiado el papel del arte y del artista gracias a Internet y las tecnologías digitales?

Respuesta: Creo que los artistas que trabajan con las nuevas tecnologías se encontraban en un nicho, en un guetto. Los pocos que hablaban de su trabajo eran expertos muy poco accesibles para el público y las revistas especializadas eran difíciles de encontrar por su escasa y compleja distribución.

Los blogs tuvieron un papel muy importante para hacer visibe este tipo de arte. A veces, como fue mi caso, conociendo muy poco o nada de tecnología, pero presentándolo de una forma muy simple, didáctica y divulgativa.

P: La Red consiguió hacer visible todo ese talento escondido bajo etiquetas como "vanguardia" o "underground"...

R: Así se consiguió hacerlo mucho más accesible, no especialmente para gente experta en arte, sino para gente atraída por las nuevas tecnologías, por los gadgets o el mundo del software. Poco a poco, fue apareciendo un público potencial enorme, pero que de otra forma tendría muy difícil acceder a él.

Por otra parte, gracias a esto, otras publicaciones como revistas de papel que hablaban únicamente de arte contemporáneo comenzaron a interesarse por este tipo de arte. Por lo que me dicen los artistas, antes de blogs como el mío, esto no existía.

Después llegan a tí muchos estudiantes te escriben pidiendo más información sobre una exposición, un artista. Esto enriquece muchísimo tu experiencia.

Las fronteras del arte
P: No está muy claro donde están las barreras del arte hoy en día. ¿No? Uno tiene la sensación de que el diseño tiene cada vez más protagonismo y que el Louvre del s.XXI puede esconderse en una Apple Store o en un Ikea...

R: ¿Conoces Laboral, en Asturias? Es un magnífico ejemplo de esto, de como el arte se funde con el diseño y la cultura de masas. Lo cierto es que todavía hay muchos problemas para que el Media-Art entre en los los museos, porque en cuanto se habla de interactividad, de cables o de robots, el público no lo toma todavía en serio. Ya dicen “ah, esto lo hizo la máquina ella sola”.

Todo comienza a cambiar cuando las galerías o los coleccionistas se interesan por este tipo de arte, pero queda mucho trabajo educativo a realizar, ¡y no sólo con el público! Por ejemplo, los encargados de vigilar las salas tienen normalmente un papel muy estático, “no te acerques, no saques foto, no toques...”. Pero en cuanto los museos o las galerías se abren un poco, como en una exposición en Sevilla en la que estuve recientemente dónde el público podía interactúar con las obras, ves como todo cambia y ellos mismo se divierten.

Vida de una blogger
P: ¿Y como comenzaste We make money, not art viniendo de un mundo como el de las lenguas clásicas?

R: Completamente por azar. Tenía un trabajo en una consultora italiana, un trabajo muy aburrido, pero en el que tenía muchísimo tiempo libre delante de un ordenador. Encontré un artista que hacía performances con teléfonos móviles. Para mí, un teléfono portátil era un instrumento de trabajo, igual que un ordenador, objetos a los que siempre tuve cierto respeto.

Así que me interesé por esta gente capaz de hacer arte con la tecnología. Comenzó así, primero como un proyecto personal de investigación, buscando artistas, festivales..

Metía toda la información en carpetas y archivadores, que se me iban acumulando sin saber muy bien como poner orden. Alguien me dijo entonces, “¿sabes?, deberías meter todo esto en un blog”. Por aquel entonces yo pensaba más en un blog como algo para adolescentes que cuentan sus penas de corazón, por mi mentalidad de periodista.

Pero bueno, empecé en la oficina, vi que era muy fácil, y me fui animando, otros blogs se hiceron eco y comenzaron a tratarme bien. Sobre todos páginas de gadgets populares como Gizmodo o Engadget, que comenzaron a enlazarme bastante contenido.

P: Un blog con muchas temáticas diferentes pero que nunca pierde su esencia. No tienes miedo al “horror vacui”, a enfrentarte al post en blanco, no saber hacia donde evolucionas...

R: En ocasiones te frustras por no contar lo que quieres, pero en general soy alguien que vive muy a gusto con el presente, con el momento actual, así que no tengo ese problema. Además escribo muy rápido, con mucha energía. Desde que comencé con el blog surgieron otros temas como escribir para algunas revistas, dar conferencias, ser comisaria para exposiciones. Todo esto por gente que me conoció gracias al blog...

P: Porque además forma parte de esa generación que se ayuda gracias a las herramientas de la red para hacer visible su trabajo, como varios fotógrafos que se sirvieron de Flickr como plataforma...

Sí, es muy interesante. Es el movimiento del que hablábamos antes, el hacer visible lo que era invisible. Claro, esto conlleva otros problemas. Guardo muchísimo contacto con gente que conozco en mi vida on-line, sé donde están en practicamente todo momento. Pero no ocurre lo mismo con mis antiguas amistades, así que los animo a que hagan su Flickr o su blog ;-)

La llave ética del arte
P: En tu ponencia hablabas del BioArte, que difumina la línea entre arte y biotecnología. Obras como los conejos transgénicos fluorescentes abren un abismo realmente inquietante...

R: ¡Pero lo inquietante no es el arte, es lo que hacen en los laboratorios! Porque cada día te presentan a un señor muy serio con bata blanca presentando un nuevo avance en el que los aspectos éticos merecen como mínimo una reflexión.

Si piensas en las manipulaciones que se hacen con animales, hay mucho que discutir desde un punto de vista moral y filosófico. Por ejemplo, los xenotrasplantes, pero si abres el periódico, ves que no hay ninguna discusión, ningún debate. Todo es perfecto.

Por lo general, la tecnología es algo que simplemente te llega, nadie nos interrogó sobre qué nos parecía inventar o no el teléfono. Pero ahora los artistas tienen la obligación de abrir ciertos debates éticos sobre la Ciencia. Algunas obras pueden parecer realmente desagradables y repulsivas, pero si lo hacen con flores, está claro que no despertarán ninguna conciencia.

Ganadores del concurso Telefónica Vida 10.0

Primero que nada felicitamos a nuestro querido compatriota Leo Nuñez que con su instalación Propagaciones obtuvo el tercer premio en la versión 10.0 de la competición internacional de arte y vida artificial que todos los años organiza Telefónica de España. Los artistas argentinos que trabajamos en arte y tecnología hemos ganado una serie de importantes galardones en las últimas versiones de este premio. Propagaciones, pone en el mundo real unos robots autómatas que reproducen las ideas arquetípicas de vida artificial de los Juegos de vida creadas por John Conway en 1970. En la página que anuncia los premios de Telefónica definen a Leo como escultor de máquinas y lo ponen a la altura de artistas tan dispares como Duchamp, Takis, Tinguely e Ihnatowicz. La instalación consiste en 50 robots idénticos y rotativos colocados en la cima de unas varillas. Cada pieza tiene una luz, y un sensor que puede captar la iluminación de otras piezas vecinas. Cuando un sensor percibe luz, provoca que el robot comience a rotar. Su emisor de luz será a su vez captado por otras piezas, que también comenzarán a girar. Aparecen comportamientos emergentes colectivos que el público puede variar enfocando una linterna sobre alguno de los sensores lumínicos.

Más allá de este importante logro local hay que destacar el primer premio obtenido "Mission Eternity Sarcophagus" obtenido por los suizos de la etoy.CORPORATION. Etoy.corporation lanzó el proyecto Mission Eternity en 2005. Este proyecto es por un lado un acercamiento respetuoso al deseo del ser humano de sobrevivir de alguna forma después de la muerte, y por otro, un trabajo irónico sobre las fantasías de ciencia-ficción que creamos para satisfacer ese deseo. Misión Eternity Sarcophagus es una de las materializaciones de este proyecto. Se trata de un sepulcro móvil que contiene y muestra retratos interactivos de aquellos que desean que sus memorias sean conservadas digitalmente. Del tamaño de un contenedor de carga estándar que puede viajar a cualquier parte del mundo, el Sarcophagus dispone de una pantalla LED inmersiva que cubre paredes, techo y suelo. Es ahí donde se puede visualizar la información contenida en las cápsulas virtuales que almacenan los recuerdos de los muertos. Estas cápsulas virtuales están localizados en la memoria compartida de cientos de ordenadores interconectados a través de Internet. Los propietarios de estos ordenadores son llamados Mission Eternity Angels, los cuales aportan una pequeña parte de la memoria de sus ordenadores para mantener vivos los recuerdos digitales de los difuntos. En la actualidad hay 765 “ángeles” y dos voluntarios que han aceptado que sus recuerdos queden encerrados en este sarcófago electrónico. Los retratos interactivos están compuestos de textos, entrevistas, fotografías familiares, etc. Sarcophagus explora el nuevo mundo social generado entre usuarios de ordenadores interconectados. En este caso los usuarios conectados tienen el objetivo común de mantener algo en vida, lo cual puede invocar sentimientos intensos como los de cuidado y protección.

El segundo premio fue para los australianos Oron Catts y Ionat Zurr, con su proyecto NoArk.
Catts y Zurr, los artistas del proyecto Tissue Culture and Art, consideran que la biomasa que crece en el bioreactor de NoArk es un neo-organismo semiviviente o una forma de sub-vida. Debido a su origen, muestras de tejido de distintos tipos, este ente quimérico participa en el vasto dominio de las cosas vivientes. Pero es huérfana, carece de parentesco y de afinidades, y está abandonada por el sistema de clasificación lineano que se basa en la coherencia orgánica. NoArk consiste en una vitrina transparente que recuerda a un armario de curiosidades del siglo XVIII. Este contenedor alberga tanto el bioreactor que mantiene vivo a la biomasa como una recopilación de animales muertos y preservados. Estos componentes rotan juntos dentro de la vitrina y hacen patente al público las inefables características de las células vivientes, cuyas propiedades son para nosotros tan inmediatas como intangibles. La célula es la más básica de las unidad de vida auto-organizativa. Cultivada en un medio separado de la vida tal y como la conocemos, se transforma en un ente sintético. Esta abstracción de la vida es común en un laboratorio científico, pero radicalmente nuevo como un dispositivo artístico que se presenta al público. La cosa semi- viviente que podemos ver en NoArk traspasa las fronteras entre categorías y taxonomías, de forma parecida a la infinita transterritorialidad de la información digital. Mientras el organismo semi-viviente de NoArk se encuentre bajo soporte vital, su información biológica se mantiene en el tiempo y en el espacio, y plantea la sorprendente interrogación de cómo puede desplegarse – y categorizarse - esta sintética forma de vida en nuestra realidad.
Recomiendo entrar a la página de vida 10.0 y para ver los videos de los premios

Seguimos armando nuestro árbol genealógico

El martes pasado me encontré finalmente (luego de varios meses sin coincidir) con Ricardo Dal Farra un múscio de formación, compositor, educador e investigardor, que está estudiando la confluencia entre las artes, las ciencias y las nuevas tecnologías desde hace casi 30 años. Fue Coordinador del Area Comunicacion Multimedial del Instituto Nacional de Educación Tecnológica del Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología de Argentina entre 1996 y el 2003. Es Director del Estudio de Música Electroacústica, laboratorio que fundara a mediados de los años 70; y Director del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIArtE) de la Universidad Nacional de Tres de Febrero desde el 2002. Dal Farra es miembro del Consejo Editorial del Journal of New Music Research y de Leonardo Music Journal – International Society for the Arts, Sciences and Technology (ISAST).
En el 2003 desarrolló un archivo histórico con grabaciones de música electroacústica de compositores de toda América Latina en Montréal, Canadá, gracias a una beca para Investigadores en Residencia que recibe de la “Fundación Daniel Langlois para el arte, la ciencia y la tecnología”. También trabajó en Hexagram, institución canadiense con la cual sigue vinculado. Hexagram es el mayor consorcio interuniversitario dedicado a las media arts en Canadá. A las dos universidades fundadoras, UQAM y Concordia, se han sumado recientemente la Universite de Montreal y McGill, un pull realmente importante. A esto se agregan los lazos que va desarrollando Hexagram con sectores empresariales que se interesan en desarrollar y eventualmente comercializar ciertos resultados directos o indirectos. Hexagram reune actualmente a mas de 75 artistas-investigadores. Hace un tiempo Dal Farra está de vuelta en Buenos Aires, dando clases en la UNTREF donde dirige el CEIArtE: Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas

CEIArtE se crea como un ámbito abierto y flexible que busca la participación de todos aquellos interesados en el sector de las artes electrónicas, venga del ámbito que fuere, para crecer juntos y transferir el conocimiento que se vaya produciendo. cuyos objetivos son:

• Propiciar la experimentación, investigación, desarrollo y creación en el ámbito de las artes electrónicas y las áreas vinculadas.
  
  
• Construir un núcleo de conocimiento en la especialidad artes electrónicas.
  
  
• Estimular el trabajo conjunto entre artistas, científicos e innovadores del mundo de la tecnología.
  
  
• Promover la práctica de las artes digitales.
  
  
• Impulsar el intercambio multidisciplinar a nivel local, regional e internacional, buscando establecer sólidos lazos con organizaciones que compartan los mismos intereses.
  
  
• Facilitar los recursos necesarios para la realización de proyectos.
  
  
• Fomentar la documentación, publicación y difusión de los trabajos realizados.

Dentro de este contexto funciona BaDArtE que es una base de datos de recursos para las Artes Electrónicas que recomiendo consultar si están pensando en hacer algún proyecto de arte y tecnología en Buenos Aires.
Por último cabe destacar que también se encuentra vinculado al proyecto preuano AMAUTA

buscando la parentela

Los útimos dos post que hce fueron de proyectos similares al nuestro.
Si encuentran algo en estas líneas de trabajo envíenmelos, que hay algo de la sincronía que puede resultar muy poderoso para discutir.

V*i*d*a*: Un taller pariente nuestro

Alguna vez hace un tiempo hice un post de este proyecto de Alejandro Tamayo, casi sincrónico con el TECAT (comenzó un año antes) en otra Pontificia Universidad Católica Latinoamericana: La Universidad Javeriana de Bogotá. Dentro de su curso V*i*d*a* que es dictado en el contexto Departamento de estética / Facultad de arquitectura y diseño / Pontificia Universidad Javeriana. A Mí me interesan particularmente los seminarios que hacen como segunda vida para electrodomésticos, en cuyo nombre se expresa muy bien la idea de reciclar o resignificar objetos eléctricos cotidianos o sus picnic-lab
eventos increíbles de observación de vida y de producción en función de esta experiencia o bien super r*e*i*n*o* ul taller que se estructura como una rama de V*i*d*a lab, enfatizando la reflexión sobre el desequilibrio medio ambiental. El curso propone un acercamiento a la tecnología como un reino más, cuestionando los límites tradicionales entre categorías como naturaleza y artificio. En todos los links que les paso se pueden ver los trabajos que fueron haciendo a lo largo de estos dos años.

Robotarium X: un proyecto pariente de nuestros excéntricos

Si bien no están hechos con basura, buscando material sobre robots fotóvoros (que se alimentan de luz) dí con este proyecto de Leonel Moura llamado Robotarium X, que consiste en una especie de zoo de especies construidas como beam bots.

Termina el MEACVAD

Mañana termina la Muestra Euroamericana de Cine, Video y Arte Digital MEACVAD que se desarrolló en Fundación Telefónica, el Instituto Goethe y la Alianza Francesa. La programación comienza a las 10 AM en la Goethe Corrientes 319 con una charla Tania Aedo actual directora del Laboratorio de Arte Alameda de México DF, un importante centro de arte y nuevas tecnologías. El martes participé en una mesa redonda del MEACVAD con ella (es la de la foto), estuvimos charlando y es muy interesante.

Ayer se presentó Camera en Buenos Aires

Axel Straschnoy es un gran amigo artista que está viviendo en Helsinki y ayer presentó su proyecto "Cámera" en Rosa Chancho acá en Buenos Aires, en una performance con pochoclos, cerveza y proyección de super 8. El proyecto fue ideado para la Bienal del Fin del Mundo que se hizo en Ushuaia este año, pero al final cambió su destino. Durante 10 días, la galería MAA-TILA de Helsinki funcionó como una cámara. En el espacio fueron instalados un par de lentes, el mecanismo de transporte de película de una cámara super 8, un circuito controlador para obturar como un time lapse. Todo este aparataje estaba apuntado a la vidriera y filmaba la calle en blanco y negro. El resultado: "una meditación zen sobre la luz" según acertadas palabras de Mónica Girón. El 11 de Mayo de 2007 a las 19:00 la película producida por la galería/cámara fue proyectada en el mismo espacio y ayer fue proyectada en Rosa Chancho. Los dos actos (rollos de película súper 8) de 25 minutos funcionaban de un modo similar a 4´33" de John Cage: Un cine mudo sin más audio que los sonidos de la calle Dorrego que se filtraban y los movimientos, toses, incomeodidaes y el crugir de los pochoclos que comíamos los asistentes. La película comenzaba con un negro casí homogéneo de 4 minutos y de a ratos nos mostraba una imagen extraña con un foco que variaba, pero nunca estaba totalmente ajustado y patas para arriba de una calle por la que pasaban autos, sombras de personas y las pelusas de la película. La visión de un artista extraño a la luz finlandesa tratando de comprenderla y sometiendo al grupo de expectadores a que vean un resumen de 50 minutos de la extraña sucesión de luces y sombras que se dieron durante esos 10 días. En el sitio de camera pueden encontrar mucho material.

Theo Jansen: un personaje interesante

Fede Filip nos pasó esta info. Creo que está bueno ver las esculturas eólicas que caminan que hace Theo Jansen, esta especie de "Leonardo" contemporáneo. En You Tube hay muchos videos de él, creo que es interesante que lo vean.

Nuestra visita al Museo de Arte Moderno

Los museos nacionales de Buenos Aires tienen problemas edilicios: el museo Nacional de Bellas Artes ocupa actualmente la antigua Casa de Bombas, edificio perteneciente a los establecimientos Recoleta de Obras Sanitarias de la Nación-podemos suponer que la humedad en este espacio no es un problema menor-; el Museo de Arte Moderno de
Buenos Aires recibió en sus primeras épocas la denominación de "museo
fantasma" dado que sus exposiciones tuvieron el carácter de
"manifestaciones relámpago o de emboscadas" y este karma no abandona al MAMBA hasta el día de hoy. Por un momento funcionó con sede en el Teatro
Municipal General San Martín donde fue consolidando y afirmando su
propia identidad, recién en 1986 se le otorgó una sede propia: un
edificio que había albergado a la antigua fábrica de cigarrillos
Piccardo -que actualmente está en refacciones- y el museo funciona
transitoriamente en el Palacio del Correo Central, espacio que tiene que abandonar el 30 de noviembre para quedar nuevamente en la calle.



"Sincronías: artistas de Colombia", la muestra que fuimos a ver ayer fue curada por la Colombiana María Iovino. Según palabras del catátlogo (que sale la módica suma de $5):

La muestra revisa las sincronías del pensamiento. Propone una selección de jóvenes artistas colombianos que trabajan en diferentes medios con los que repiensan y reactualizan, de manera aguda, lenguajes más tradicionales como el dibujo y las más simples posibilidades de lo tecnológico.

Los artistas son Mateo López Parra (Bogotá, 1978) se alinea con la generación de arquitectos- artistas que en la década del ´70 modifican la escena del arte colombiano. El objeto que exhibe es una mesa de trabajo con una cantidad de objetos llamada "Taller portátil N 27".

Carlos Bonil (Bogotá, 1979) presenta una serie de simpáticos esqueletos de animales pequeños realizados con tenedores y cucharas descartables llamada "muertos de hambre"

También presenta "la caja tonta" una cámara oscura muy precaria realizada con una caja de cartón y papel vegetal y un lente con forma de TV. También tiene una obra que son cajas de este estilo para ser utilizadas como casco, una especie de realidad virtual latinoamericana que nos muestra el mundo patas para arriba.

“Sweet Illusion” de Adriana Arenas es extraído de una performance durante la cual una maquina de hacer algodón de azúcar es trasladada a la cima de una montaña. Cuando éste se ve expuesto al aire, rápidamente comienza a deshacerse hasta que solo queda una caña de bamboo con una aureola rosada.

Dejo los dos artistas que más me movilizaron para el final. Adriana Salazar presenta motores autómatas que fallan en hacer tareas sencillas. Según ella no son robots. “Mis cosas son prácticamente hechas a mano sin el ánimo de que sean paradigmas tecnológicos. Como estoy por fuera de la ingeniería y de la ciencia, me interesa la torpeza y la ingenuidad de la construcción.” es muy lindo verlos en funcionamiento. Recomiendo entrar en su página de flickr y también es recomendable ver la entrevista que le hizo Regine en we-make-money-not-art

Icaro Zorbar (Bogotá, 1977) dice “He trabajado con aparatos que intervengo dándoles voz, (…) formulando conversaciones, facilitando encuentros y desencuentros. Me interesa tomar distancia ante una actitud nostálgica frente al aparato: esa pesadumbre me llama la atención en cuanto hace emerger al hombre y se aleja de la idea de la sobre-valoración de lo low-tech. (…) Pretendo crear nuevas situaciones que evidencien lo complejo que son los afectos entre las personas. Eso realmente es lo que me inspira”.

Icaro está presenta junto con sus obras todos los días que dura la muestra y es él quien pone play para que empiece el show y stop cuando la función acaba. Hackea y hace andar viejos walkmans, bandejas tocadiscos, cajitas musicales agregándoles capas de sentido y "encarna" al performer de un modo muy particular. Robo estas palabras de Oliverio Duhalde, el músico "oficial" del TECAT, quien planteó que Icaro, siempre al lado de las grabaciones, pone cuerpo al performer que quedó encerrado en estos soportes analógicos. Es algo que hay que experimentar, ir al correo y pasar un rato con Icaro y sus artefactos modificados. En caso de que no puedan ir, son muy recomendables su blog y su canal de youtube.

Los dejo con la ranscripción del bellísimo texto de la muestra completo:

Estos artistas, al desmecanizar o al denegar la lógica de lo tecnológico utilitario, además de que indican el territorio objetivista y pobre en lo humano en que esta noción se abastece o impulsa, reconsideran la función y valor de lo básico y de lo estructural. Ésto además, a partir de las observaciones sobre el tema que se pueden hacer desde países con escasos desarrollos en el área. Es decir, que antes de lo despiadado de lo maquinal, es lo bello, lo abstracto y lo redimensionable de los componenetes o de las partículas de la tecnología lo que se analiza y desgloza, para fundar otra semántica sobre su alma.

Si bien, la defensa de lo inútil o incluso del barroquismo en la línea es un gesto claro, la dimension más fuerte en la obra de los artistas que trabajan lo que podría entenderse como desmecanización o desobjetivación del discurso, la cobra la composición de otra orquestación sinfónica, desde la cual se puede leer una crítica que, sin restricciones nominales o temáticas, es capaz de englobar asuntos que el arte de expresa intención crítica queda desinstrumentado para incluir. En los trabajos de estos artistas se señala la crisis, insuficiencia, ineficacia o intrascendencia de un orden desde la armazón de otro, que le ofrece otra posibilidad operativa, aún a componentes anacrónicos, desgastados o en desuso.

No es gratuito que el universo de estos artistas se nutra de manera importante de la música, especialmente del rock. En sus obras se articula la imagen con la sonoridad que domesticó y le dio armonía al estruendo y al grito, a lo extraño, a la desadaptación, a la rebeldía y a la vibración e intensidad electrónica.

No obstante el hacer parte del denominado tercer mundo, con toda su inconveniencia y precariedad, estos artista pertenecen a generaciones para las cuales los alcances de la tecnología, así como la navegación por la información planetaria, e incluso por el planeta mismo, no son un sueño por cumplir, sino por el contrario, el punto de partida; en tanto, no parecerían querer estructurar ideales allí. Lo extraño en el mundo actual, en especial para los más jóvenes, es que haya asuntos prácticos que la ciencia y la tecnología no puedan solucionar. Lo lógico entonces, es que se busque esclarecer, no el alcance del programa, sino el corazón que lo permite o que está detrás de todo, y el cual parece olvidado. En ese sentido, el caos comunicacional e informativo se maneja sin problemas y a conveniencia propia, para tratar más bien de desemarañar un organismo abstracto y vivo allí, y para encontrar cariño en esto.

Es comprensible que en medio de un marasmo de referentes se busquen la claridad y la transparencia; que se indaguen los sistemas internos de los supuestos; que se asuman el humor y la ternura como armas contra la confusión conceptual; que se vuelva a requerir la línea por todo ello; que se trate de reordenar el lenguaje y de mirar lo que él traza cuando se escribe y cuando se lanza al mundo en palabras. Es natural también, como se traduce en las búsquedas de estos artistas, que en sus obras se fortalezca la atención por la observación y por el quehacer del artista y que, sin temores reverenciales, se deje de elogiar el vestido invisible del rey. La ralentización del movimiento que hay en esta actitud, puede ser la manera de resistir a la vacuidad que arrastran las expresiones que se alían con docilidad a lo consabido y legitimado de un sistema, que sin revisar lo inflacionario que comporta su dogma, no deja de promover la fe por un mayor incremento del rédito económico y de la aceleración, sin reparos éticos por las consecuencias que ello genera*.

María A Iovino M. *fragmento de Artbo 2006.

Excéntricos: Descripción del proyecto

Según la real academia española, la palabra excéntrico tiene varias acepciones. Como adjetivo significa de carácter raro, extravagante. Desde la geometría significa que está fuera de centro o tiene un centro diferente. Para la mecánica un excéntrico es una pieza que gira alrededor de un punto que no es su centro geométrico y tiene por objeto transformar el movimiento circular rectilíneo en rectilíneo alternativo.


Esta palabra condensa muy bien el proyecto. Excéntrico hoy es producir aparatos tecnológicos con basura en vez de comprar la última novedad. Excéntrico también es producir robots en la Argentina. Excéntrico es que se junte un grupo de profesores y estudiantes de distintas facultades para realizar un proyecto en nuestro contexto universitario. Excéntrico se llama el tipo de motor que hace vibrar un teléfono celular y es el corazón de nuestros robots. Todos tenemos en un cajón de casa al menos un celular que ya no usamos -lo cual no implica que no funciona-. Nuestra segunda fuente de materia prima fueron calculadoras solares que teníamos en desuso. Con estos elementos convocamos una reunión en el laboratorio de electrónica de la Universidad con una consigna: construir una serie de robots fotofóbicos "low-tech" (también llamados vibrobots). Mientras un grupo trabajó en el diseño y la confección de los insectos, otros se encargaron de poner en funcionamiento la parte electrónica. Estos robots son fotofóbicos, huyen de la luz. Desde el iluminismo, la idea de llevar luz a la oscura realidad y hacerla visible significa conquistarla cognitivamente, para lograr una mejor comprensión y poder controlarla. Los "Excéntricos" escapan continuamente a la luz y a su vez a este mecanismo. La idea era poner varias capas de representación fisica, visual y sonora de insectos: los robots, el registro en video de insectos, insectos generados algorítmicamente e insectos reales en torno a una lámpara eléctrica. Mientras todos los insectos van hacia la luz, los excéntricos escapan. Una reflexión que surgió en el grupo fue acerca de las implicancias expresivas que deben haber tenido los insectos en la época de las linternas mágicas que posiblemente interferían con sus sombras la imagen proyectada. De a poco los ambientes se fueron "debugging", perdiendo lo barroco y acercándose al blanco minimalismo. Hoy es difícil pensar en ver bichos revoloteando alrededor de los focos de los proyectores en los espacios de arte. Por esta razón decidimos incluir en la exhibición de la instalación una serie de insectos vivos que se renuevan y funcionan como un elemento expresivo. Estos organismos rompen con la posibilidad de control y generan composiciones arbitrarias y fuera de lógica de los algoritmos de aleatoriedad. Produciendo desde la periferia aparece un modelo en el que lo excéntrico se presenta como una posibilidad distinta, donde hay una mayor libertad.



Información técnica del proyecto:

Excéntricos es una serie de robots simples realizados con basura electrónica, principalmente celulares y calculadoras solares. El corazón de estos robots es el motor excéntrico que hace vibrar los teléfonos y la alimentación está hecha con paneles solares. Hay un circuito muy sencillo compuesto por un capacitor que almacena la energía que envía el panel solar. Dos transistores 2N3906 y 2N3904, un detector de voltaje que puede ser un 1381J, un diodo zener o un flashing led y una resistencia regulan la intensidad con la que se alimenta el motor. Estos robots son fotofóbicos (funcionan sólo cuando hay una fuente de luz), por lo que escapan a ella y suelen quedar en la oscura periferia.
Más allá de los robots la instalación consta de una mesa blanca con reborde en la que se ubican los robots, un proyector de datos y un DVD player. El disco DVD contiene la imagen de una lamparita con insectos reales y algorítmicos que la rodean, el sonido es de los insectos reales mezclado con un algoritmo que genera una emulación sonora de enjambre que va creciendo y decreciendo según distintas reglas.
El proyector está apuntado a un espejo motorizado que mueve la imagen por las distintas zonas de la mesa.

Excéntricos: primera producción 100% TECAT

Presentamos el video de Excéntricos. La pieza que generamos, producimos y montamos en el último mes en el TECAT.

Excéntricos: todos vamos a hacer robots

Como charlamos hoy en el taller, la idea es que todos los que puedan armen sus beam bots y los donen a la obra. Hay que construir los BEAM BOTS exclusivamente con BASURA electrónica, que sean lo más simples posibles. DEBEN ser fotofóbicos, es decir funcionar con un panel solar y reaccionar cuando se los estimula con luz huyendo del foco de luz y perdiendo energía (y por ende movimiento) en la oscuridad. Nos juntamos en el laboratorio de ingeniería para construirlos. Tienen que traer celulares con vibrador y calculadoras solares en desuso. La fecha límite para entregarlos es el sábado por la tarde, me contactan al mail tecat1 (arroba) gmail (punto) com por cualquier duda o para acercarme los robots. Pásenle la info a la gente que crean que puede llegar a colaborar. info y tutoriales de estos robots http://raysbeambots.solarbotics.net/ , solarbotics.net/ o googleen beam robots o Mark Tilden. Cualquier duda me consultan! la foto es de m27debord / el dibujo es de cyenobite

Curso de Robótica: mañana es el último día para inscribirse

En el MEDIALAB del Centro Cultural de España en Buenos Aires (Florida 943) se va a dictar
del 22 al 26 de octubre / 16 a 19 hs. el curso ROBÓTICA E INSTALACIONES INTERACTIVAS. Taller a cargo de Alejandro Quinteros.
Tiene cupo limitado e inscripción hasta el 12 de octubre de 2007. para inscribirse hay que escribir a inscripcion@cceba.org.ar. Antes chequeen este link

Durante el taller se elegirán algunos de los proyectos presentados por los participantes, que se desarrollarán conjuntamente en el medialab.
Se abordarán las posibilidades prácticas de la interacción física para crear obras plásticas que reaccionen e interactúen a la presencia y acción del público.
Se discutirán y crearán distintos sistemas electrónicos para instalaciones y esculturas interactivas:
• Introducción al uso de Teleo en conjunción con MAX/MSP, Jitter. Diseño de un sistema de switch para activar: video, sonido y movimiento (MAX/MSP-Jitter).
• Control a distancia: telé presencia.
• Comunicación entre múltiples CPU y componentes.
• Pequeños robots.


Alejandro Quinteros
Lima, 1968)
Creció entre Perú, Honduras, Ciudad de México y Puerto Rico.
Estudió escultura en la Universidad de Massachussets en Amherst y más adelante en Chicago, donde recibió un BFA y un MFA de la Escuela del Instituto del Arte de Chicago. Su trabajo se ha exhibido en Chicago, Nueva York, Canadá, Barcelona, Francia y Puerto Rico.
Desde 1993 vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico. Es profesor asociado en el departamento de Bellas Artes en la Universidad de Puerto Rico, donde enseña imágenes por computadora, fotografía y la escultura. En 2000 creó el taller para el arte y la tecnología (ARTEC) en la Universidad de Puerto Rico para la enseñanza y la investigación de las tecnologías interactivas para las artes. Recibió la beca del National Endowment for the Arts (2004), y una beca de investigación de la Universidad de Puerto Rico, para la creación de un proyecto de instalación urbano-interactivo para el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. Actualmente está trabajando en sistemas de interacción física con video-escultura y espacios de video inmersivo en tiempo real.

Más info

G-ring

Otra vez se me pasó un mes sin escribir. Tal vez ahora posteo un par de notas atrasadas que tengo en mente. Quería compartirles algo extraño que vi. Un anillo de la vanidad que dice cuántos resultados da Google cuando se ingresa el nombre del usuario. El aniloo se puede recargar todos los días actualizando el número.


vía information aesthetics

Post producción

Este libro de Nicolás Bourriaud, editado en español por Adriana Hidalgo, también es una interesante referencia sobre los caminos y procesos de la creatividad y la originalidad en la obra de arte de nuestros días. Recomiendo leer, pero en muy pocas palabras, lo que el autor plantea es que hoy en día los artistas trabajan como los editores de video, combinando imágenes propias y ajenas para generar una nueva trama "original".

La obra de arte en la era de la reproducción mecánica

Creo que es muy interesante para lo que estuvimos hablando la última vez que le den una leída al texto que Walter Benjamin escribió en 1936 "La obra de arte en la era de la reproducción mecánica". También les paso un vínculo a la versión en inglés, el idioma original.

14 instituciones juntas

En una coherencia total con la idea de sincretismo planteada por Roy Ascott, en la reunión organizada dentro del marco del MEACVAD ayer en la Alianza Francesa nos encontramos los representantes 14 instituciones: Espacio Fundación Telefónica, la Alianza Francesa, el Goethe-Institut-, la Fundación Centro de Estudios Brasileños, el British Council, el Centro Cultural de España en Buenos Aires, Las embajadas de Brasil, Colombia y México y entre las universidades: La Maestría en Comunicación de Universidad Católica Argentina, el DiCom (Magister de Teoría del Diseño Comunicacional- F.A.D.U. – U.B.A. - Universidad de Buenos Aires), la Licenciatura y Maestría Documental de la Universidad del Cine, el Doctorado en Arte Contemporáneo Latinoamericano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, el Postgrado de Especialización en Lenguajes Artísticos Combinados del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), la Carrera de Artes Electrónicas de la UNTREF, Universidad Tres de Febrero y la Carrera de Realización Integral en Artes Audiovisuales de la Facultad de Arte de la Universidad del Centro (Tandil). Se ve que cada vez somos más los que nos interesamos en estos temas. Un lujo. GRACIAS a todos los que lo están haciendo posible.

Lo que nos quedó de Roy Ascott

Luego de una intensísima semana de 3 charlas de Roy Ascott en Buenos Aires (hoy se da la cuarta en La Plata), la cabeza me quedó en un estado muy particular. Más allá de los conceptos teóricos sobre los que disertó (que están ampliamente documentados en papers y libros que escribió), me interesa mucho hablar acá de los dos "accidentes" que ocurrieron en las charlas de Telefónica...en la primera charla se saturó el server de internet por que que estaban haciendo el streaming en tiempo real de la conferencia y todos los no asisitentes presenciales (y los que estaban viendolo en el piso de arriba del Espacio Fundación Telefónica) se perdieron una parte. En la segunda charla también hubo un hecho "misterioso". Mientras Ascott hablaba de algo tan oscuro como el UBANDA y la "realidad vegetal", saltaron las térmicas y el Espacio se quedó sin luz por un momento. No presento esto como una crítica a Telefónica, sino como una cuestión energética particular que se dio en esos momentos, algo bastante místico y lejano a la idea simple de verlo como fallas técnicas según mi visión. Espero que ahora que escribo de esto no se caiga el blog. Parece que a la second life y la realidad virtual le falta mucho para llegar a la Argentina. Hoy justo publicaron una nota titulada "Second Life parece estar pasando a mejor vida" Nuestra Realidad Validada o newtoniana según los términos de Ascott, sigue teniendo mucho más poder que otras realidades. Para cerrar este comentario, los videos de las conferencias de Roy Ascott van a estar on-line en el sitio del la Fundación Telefónica a partir de la semana que viene para todos los que no pudieron ir.

Gabriel Orozco en Buenos Aires

El artista mexicano, uno de los plásticos posminimalistas más talentosos de su generación, va a participar del 3er Encuentro Internacional de Pensamiento Urbano, el martes 28 de agosto a las 19:30 en el Teatro General San Martín. Es muy recomendable ir a verlo (aunque se superpone con la conferencia de Roy Ascott que acabo de postear). Los dejo con una entrevista que publicó Luisa Corradini ADN LA NACION titulada Presente perpetuo.

Para Gabriel Orozco, los sitios donde se vive no son solo fuente de inspiración para su trabajo artístico, sino también su condición y su materia. Los charcos de agua, el polvo de las calles, las pelusas del secarropas, las motos, las vidrieras y las góndolas de los almacenes, todo es capaz de incitar su intervención, que consiste en producir rastros que permitan al presente seguir existiendo a través de su obra.

"Esta estrategia consiste simplemente en perturbar (desarreglar, trastocar) la percepción, dándole a los objetos no un significado, sino una función imprevista. En este sentido, la obra de Gabriel Orozco se inscribe en una larga tradición que va desde los ready made de Marcel Duchamp hasta la fascinación surrealista de los cadáveres exquisitos, las construcciones efímeras de Picasso, sus antiesculturas hechas con algas y detritus que la marea se llevaba ante los ojos desesperados de sus ávidos dealers ", según describió el crítico Olivier Debroise.

Orozco nació en la ciudad mexicana de Xalapa, en 1962, y egresó de la Escuela Nacional de Artes Plásticas en 1984. Considerado como uno de los plásticos posminimalistas más talentosos de su generación, su obra -definitivamente ecléctica- incluye videos, pinturas, instalaciones, esculturas y fotografías. Pero, sobre todo, Orozco es reconocido por su capacidad para incorporar al proceso creativo objetos cotidianos. En estos días prepara una exposición en la galería parisina de Chantal Crousel y un viaje a Buenos Aires para participar del 3er Encuentro Internacional de Pensamiento Urbano, donde hablará el martes próximo. Recibió a adn CULTURA en su atelier de Boulogne, en las afueras de París. El luminoso edificio fue diseñado por Le Corbusier en la década del 30 y forma parte de un pequeño barrio de artistas ubicado a la vera de la capital francesa; Orozco trabaja aquí una parte del año. El resto lo pasa entre Nueva York, México DF o viajando por el mundo, con la única compañía de su cámara de fotos: "Mi carnet de apuntes", acota. Joven, talentoso, cotizado y solicitado, Gabriel Orozco es todo lo contrario de un artista de atelier , ajeno a la realidad. Es accesible, tiene humor, amigos, un hijo de dos años y medio -Simón-, una sólida pareja con María, funcionaria de Naciones Unidas, y también tiene a Martínez, un galgo enano, oficialmente considerado como "el cuarto miembro de la familia".

-Se podría decir que usted es un artista ecléctico. Trabaja con todo tipo de materiales y en todo tipo de soportes: pintura, foto, instalación, arcilla, papel, basura, plastilina, pelusas

-Creo que cada idea tiene su medio. Aunque estudié, en la Academia de Arte de México, pintura, grabado y todas las demás técnicas tradicionales, cuando salí de la Academia comencé a sentirme un poco claustrofóbico, un poco ahogado en el estudio. Comencé a viajar, a caminar y a observar. Con las cosas que encontraba en la calle, con objetos diversos, comencé a generar ideas y a llevar a cabo acciones en el mismo lugar donde encontraba esas cosas. Me impuse la regla de nunca llevar nada conmigo, salvo una pequeña cámara de fotos para documentar las cosas, como una manera de tomar apuntes. Poco a poco, mi práctica se hizo una especie de escultura en campo abierto. Fue entonces -a fines de la década del 80 y principios de la del 90- cuando la idea del tiempo empezó a jugar un papel diferente en mi obra. La idea de cómo presentar las obras en los museos y en las galerías también comenzó a cambiar.

-¿A pesar de ese eclecticismo, hay un hilo conductor en su obra?

-Las limitaciones de uno mismo son siempre un fuerte hilo conductor. A pesar de que uno trata de cambiar y hacer esfuerzos para ser otra cosa, al final descubre que los propios límites mandan. La reflexión sobre el tiempo es también otro posible hilo conductor, como lo es la voluntad de evitar un estilo...

-¿Por qué?

-Porque no creo que el arte deba tener una manera de hacerse, sino que uno hace las cosas y descubre para qué existe el arte. No creo que el arte sea una fórmula en la cual uno empieza a producir, a repetir y a funcionar mecánicamente.

-¿Para qué existe el arte?

-Es lo que yo me pregunto. Justamente para eso trabaja el artista. No es tanto para reproducir lo que ya es arte, sino para explicarse constantemente por qué sigue existiendo. O si debe seguir existiendo. El arte cambia con el tiempo. Por ejemplo, la pintura no siempre fue un arte; hubo una época en que era un arte decorativo. En ese momento, la escultura era más importante que la pintura. Ahora la pintura ha pasado probablemente de nuevo a segundo plano. Tal vez hoy sea más relevante la fotografía y los demás procesos de trabajo para producir un signo artístico.

-¿Usted agota una búsqueda determinada? ¿Hay un periodo en el que se dedica, por ejemplo, a la idea de juego y, de pronto, la abandona para siempre, o es capaz de volver a ella una y otra vez?

-Creo que hay una tendencia a la "circularidad" en mi práctica artística. Además, formalmente uso muchos círculos en mi trabajo. Pero el círculo no está usado sólo como una forma geométrica, sino que para mí representa una actitud o una manera de actuar. En cuanto a la noción de juego, si se la aplica a toda mi obra, se puede observar que prácticamente todo puede ser interpretado como un juego; hasta la cerámica que hago es una manera de jugar con la arcilla. La forma de presionar, de poner las manos o de colocar dos bolas de madera a los lados es como jugar con la masilla. Se siente que hay una dinámica física. Esa dinámica está en casi toda mi obra y tiene que ver con el juego. No se juega solo con una pelota, en una mesa de billar o de ping pong o en un tablero de ajedrez. Actividades como andar en bicicleta haciendo círculos entre los charcos o modificar objetos de la vida cotidiana y documentarlo en la fotografía son otras maneras de jugar. El juego es central, a pesar de que haya momentos en que exploro una técnica. Por ejemplo, el poliuretano expandido o una instalación que hice con la pelusa del secador del lavarropas. Escojo los materiales en función de la idea que tengo y de la obra que quiero hacer. Por ejemplo, la bola de plastilina ( La piedra que cede , 1992). Es una obra que hice rodar en la calle y nunca seca, nunca endurece, siempre va cambiando: así se interrelaciona todo. Hay momentos en que uso una técnica y después la abandono, porque siento que exploré lo que quería explorar y llegué a una conclusión con cada una de las técnicas que uso. En realidad, todo se va entreviendo: la idea de juego, de tiempo, de situación; el uso del cuerpo, en relación con el mensaje, con los objetos que nos rodean; la idea de reciclaje, la parte visual...

-¿Es importante para usted el aspecto visual de la obra?

-Así es. Siempre busco que el resultado final tenga algo visual, que sea contundente, para tratar de evitar la explicación o el texto a un lado de la obra. Trato de que baste con la imagen. No me gusta la estética de la documentación, propia de la generación de artistas de la década del 70. Desde un principio -y creo que por eso se me ha reconocido- traté de evitar el sistema de documentación de los artistas conceptuales de esa época. Me interesa que el objeto -una foto o una instalación- exprese la idea como un fenómeno u objeto visual y no que se explique por medio de lo escrito. Trato de evitar lo narrativo y lo didáctico en la obra.

-¿Eso requiere una mayor participación del observador?

-Desde luego, porque no se le ofrece un signo ya cocinado o masticado. No lo trato como a un niño a quien hay que explicarle todo o a un creyente que viene a ser adoctrinado. Se tiene que comportar como un individuo ante un hecho real, y no como una masa creyente ante un sistema de espectáculo político-estético.

-¿Esa actitud lúdica que hay en su proceso creativo es solo intención de jugar? ¿O hay mucho más en esa búsqueda?

Más obras de Gabriel Orozco-Imagino que si fuera nada más que lúdico no atraería tanto la atención. El hecho de que el público siga pensando en esos juegos y esas espumas, pelusas y basura significa que la idea expuesta consigue movilizar a la gente. Eso es lo que hace que una obra de arte siga funcionando, que vaya más allá de lo que es. Creo que, en efecto, lo lúdico es una manera de empezar a relacionarme con algo que me interesa: un auto en particular, un material en concreto, una bicicleta en tal lugar, para jugar con ese objeto, analizarlo, verlo y reflexionar. Pero también hay mucho de pensamiento, de filosofía, de matemáticas, en mi trabajo. El objetivo es volver a encontrar la totalidad del objeto: el aspecto estructural, semiótico, físico e histórico, para entender con qué se está tratando. Porque no hay materia prima pura. Toda la materia tiene una carga política, social e histórica, desde el mármol y la piedra hasta los coches. Al entender esa complejidad de un objeto usado como "materia prima", uno entra en muchos terrenos. Si bien manipular esos objetos puede ser llamado un acto lúdico, el resultado final es mucho más que eso.

-¿Hay materias con las que no pudo? ¿Alguna vez dijo de un material "no puedo con él, lo dejo"?

-El bronce. Y, sin embargo, acabo de hacer un bronce. De repente se necesita trabajar con una materia en particular. Hasta ahora, nunca había necesitado usar el bronce. También hubo una época en la que no usada madera. Me daban pena los árboles....

-¿El proceso de creación es doloroso o le divierte?

-Doloroso, muy rara vez. Puede ser tedioso, aunque trato de no aburrirme; me deprime aburrirme, como a todo el mundo. Probablemente por eso cambio constantemente de técnica. Me gusta la idea de aprender todo el tiempo. Ser un principiante me divierte más que ser un maestro. El inicio de algo me encanta. Hay más inestabilidad, más emoción y eso hace que sea menos tedioso. Raras veces es doloroso. A veces es tenso: cuando no se sabe lo que está pasando.

-Usted viaja a Buenos Aires esta semana para participar en el Foro del Pensamiento Urbano. ¿Qué va a decir allí?

-Creo que puedo ser útil hablando de lo que he intentado hacer en escultura pública, de mi actividad artística en el espacio público y urbano. Voy a llevar material visual para hablar de eso. Por ejemplo, de mi experiencia cuando salgo a la calle, sin herramientas, y actúo en el entorno. Eso fue lo que más llamó la atención de mi trabajo al principio. Puedo hablar también sobre el cuerpo: el cuerpo a escala humana, en relación con el monumento, con el espacio arquitectónico, con el paisaje.

-El cuerpo, a pesar de que no hay gente en su obra

-Precisamente por eso. Desde un principio traté de evitar la narrativa en cuanto género o cualquier especificidad sobre mi propia persona, para darle más peso a la situación y dejar de lado al individuo anecdótico. Siempre busqué generar una situación abierta, que pueda ser ocupada por cualquier persona. Si yo apareciera en mis fotos, se reconocería a un hombre de tal edad, de tal estatura, de tal país. Tal vez esa información limitaría el fenómeno que se ve. Para mí es muy importante que desaparezca la imagen del cuerpo anecdótico, que quede más bien como una huella, una estela o un espacio vacío que puede ser ocupado por cualquier persona. Lo importante es que cualquiera pueda sentirse identificado con lo que está viendo.

-¿Podría vivir en otra parte que no fuera una ciudad, o es profundamente urbano, cittadino?

-Creo que podría vivir en otra parte. Crecí en la ciudad y soy muy urbano, pero siempre me han gustado las situaciones donde la naturaleza y lo artificial, lo urbano y el campo están chocando. Ese tipo de tensión que se da en la periferia de las ciudades es muy importante para mi trabajo creativo.

-¿Eso lo siente particularmente en México?

-En todas partes. En mis fotos nunca aclaro el lugar donde las saco, porque esa es otra anécdota que quiero evitar: que la gente diga "¡Ah, esto es en Nueva York!". Aunque a veces se entienda dónde es, quiero que sea en todos lados. Aunque siempre se trata de situaciones de periferia. Creo que de eso también hablaré en Buenos Aires: la idea de periferia es ese lugar donde el lenguaje y el fenómeno están chocando y generando accidentes. Me refiero a ese proceso por el cual el campo se extiende e invade la ciudad: cuando uno se descuida un poco, el campo regresa, la naturaleza comienza a corroer lo que el hombre crea. Y al revés: la ciudad se expande y se come al campo. Esa tensión no sucede solo en la periferia; también se da en los centros urbanos. Esa es la tensión que genera en buena medida mi trabajo. Por eso, aunque soy un hombre de ciudad, la naturaleza me interesa. Desde que comencé, hubo algo muy orgánico en mi trabajo.

-¿Es un artista políticamente comprometido?

-Mi papá [el muralista Mario Orozco Rivera] era un hombre de izquierda bastante conocido y muy "declarador" en los periódicos. Era una tradición de su generación eso de escribir mucho en periódicos y revistas. Yo creo que le perdí un poco de fe a ese tipo de acciones. A menos que se trate de una extrema urgencia, evito hacer declaraciones. He tratado de hacer las cosas de otra manera.

-¿Quizá busca usted darle un sentido político a su arte?

-Creo que el arte no debe tener buenas intenciones. Cuando el artista comienza a tratar de actuar a favor del pueblo, del público, de eso que uno considera "lo bueno" -que no sé exactamente qué es-, comienza a tener prejuicios en relación con la realidad. Para mí, lo más importante es tratar de cuestionar mis prejuicios. Trato de poner una obra, una ciudad o una persona en una nueva situación, intento comprender ese momento y esa situación. Creo que acostumbrarse al mecanismo de la intención política es llenarse de prejuicios y convertirse en un artista con pretensiones didácticas. Y eso me parece un abuso de poder.

FICHA: En el marco del 3er Encuentro Internacional de Pensamiento Urbano, Gabriel Orozco dialogará con Graciela Speranza sobre las "Ciudades alteradas" el martes 28, de 19.30 a 21, en el Teatro General San Martín (Av. Corrientes 1530). Entrada gratuita.

adnGABRIEL OROZCO

Todo tipo de objetos de la vida cotidiana son presentados en formas inusitadas por este artista nacido en Xalapa, en 1962. En Gatos y sandías (1992) muestra 11 latas de comida para gatos sobre una pila de sandías en un supermercado. Cinco problemas (1992) son cinco papas sobre una pila de cuadernos de espiral, en un estante de librería. Con Caja de zapatos vacía, una simple caja de cartón sin tapa, sorprendió en 1993 en la Bienal de Venecia, en la que participó como uno de los 10 curadores invitados por Francesco Bonami. Ovalo con péndulo (1995) es una mesa de billar redonda, sin bolsillos, sobre la cual se balancea una bola de billar colorada, como si fuera un péndulo. El esqueleto humano, así como animales o insectos, son utilizados por el artista: Perro durmiendo (1990), La carne de mi perro (1991) y Orina de perro en la nieve (1993) son fotos que ilustran la afinidad de Orozco con el mejor amigo del hombre. Piedra que cede (1992) es una gran bola de plastilina llena de restos y marcas después de rodar por la calle. Entre los objetos suspendidos más extraños están Pelusas: tejidos esponjosos recolectados en lavanderías neoyorquinas. Gabriel Orozco comenzó a exponer en 1983, un año antes de egresar de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Sus exposiciones individuales han sido presentadas en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México (2007), en el Metropolitan Museum de Nueva York (2007), en el Museo Reina Sofía, Palacio de Cristal, Madrid (2005), en el Museo de Arte Moderno de París (1995 y 1998) y en la Serpentine Gallery de Londres (2004), entre otros. Retrospectivas fueron organizadas en la Kunsthalle de Zürich (1996-97) y en el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (2000-01). Su trabajo fue incluido en la Bienal de Venecia (1993), en la Whitney Bienal (1995 y 1997) y en Documenta (1997 y 2002). En nuestro país, Orozco participó en una exposición colectiva del Malba: Usos de la imagen: fotografía, film y video en la Colección Jumex (2004).

Más imágenes de obras de Orozco

Roy Ascott en Argentina

Dentro del programa de actividades de la edición 2007 de la M.E.A.C.V.A.D. - Muestra Euroamericana de Cine, Video y Arte Digital, que se realizará del 5 al 9 de noviembre 2007, el Britsh Council y El Espacio Fundación Telefónica anuncian la visita del célebre artista, académico e investigador inglés Roy Ascott que estará por primera vez en Buenos Aires entre el 28 y el 31 de agosto.

¿Quién es Roy Ascott? Nacido el 26 de octubre de 1934 en Bath, Inglaterra, es una referencia mundial en todo el campo de los denominados nuevos medios y particularmente internet. R.A. tiene ya el estatus de una figura antológica y pionera referencia absoluta por su trabajo con la cibernética y la telemática. Ha dedicado toda su vida a estudiar cuestiones vinculadas a la relación del arte, la ciencia, la tecnología, la conciencia y la filosofía desde la década de 1960. Preside el Planetary Collegium del cual es fundador, centro de investigación avanzada que inauguró en 2003, en la Universidad de Plymouth, Reino Unido (donde es profesor de Artes Tecnoéticas), con sedes en Zurich, Milán, Beijing y San Pablo. Ascott se formó en la Escuela de Varones de la Ciudad de Bath. Hizo el servicio militar como oficial de la Fuerza Aérea Real, donde trabajó con sistemas de defensa por radar. Entre 1955 y 1959 estudió Bellas Artes en el King's College de la Universidad de Durham (que hoy es la Universidad de Newcastle) con Victor Pasmore y Richard Hamilton e Historia del Arte con Lawrence Gowing y Quentin Bell. Cuando se recibió, lo nombraron ayudante de clases prácticas en Estudio (1959-1961). Después se mudó a Londres y estableció su innovador Groundcourse en el Ealing Art College. En su primera muestra individual (1964), en la Galería Molton, de Londres (Annely Juda), expuso Analogue Structures and Diagram Boxes (Estructuras análogas y cajas de diagramas), obras transformables de madera, acrílico y vidrio, que requieren la participación del espectador y cobran vida gracias a la cibernética. Frank Popper, historiador del arte, repara en la importancia de este primer trabajo. También en 1964, Ascott publicó "Behaviourist Art and the Cybernetic Vision” (El arte conductista y la visión cibernética) en Cybernetica, publicación de la Asociación Internacional de Cibernética (Namur). Con Gordon Pask como mentor, fue nombrado miembro adjunto de la Institución de Ciencias de la Computación (Londres) en 1968. En 1972 se asoció a la Sociedad Real de las Artes. Roy Ascott ha expuesto en la Bienal de Venecia, Electra Paris, Ars Electronica, el Instituto V2 de Medios Inestables, la Trienal de Milán, la Bienal del Mercosur, el Festival Europeo de Medios, en Graz, Austria. Su primer proyecto telemático de gran influencia fue La Plissure du Texte (El plegado del texto) (1983), un trabajo en línea de "autoría distribuida" en el que participaron artistas de todo el mundo para construir una narrativa no lineal. El segundo fue su "Gesamtdatenwerk” Aspects of Gaia: Digital Pathways across the Whole Earth (Gesamtdatenwerk. Aspectos de Gaia: caminos digitales que atraviesan la Tierra entera) (1989), una instalación telemática inmersiva concebida para el festival Ars Electronica de Linz, que analiza con perspicacia Matthew Wilson Smith en The Total Work of Art: from Bayreuth to Cyberspace (La obra de arte total: de Bayreuth al ciberespacio), Nueva York: Routledge, 2007. El trabajo de Ascott implica la exploración de lo que él ha definido como cibercepción, “telenoia”, sincretismo, tecnoética y medios húmedos en el arte, entre muchos otros conceptos y teorías influyentes que publicó en seis libros y más de 170 artículos y trabajos en todo el mundo durante las últimas tres décadas. Entre sus publicaciones más recientes (2006) se incluyen:

• “Syncretic Reality: art, process, and potentiality” (Realidad sincrética: arte, proceso y potencialidad)
• "Technoetic Pathways toward the Spiritual in Art: A Transdisciplinary Perspective on Connectedness, Coherence and Consciousness" (Caminos tecnoéticos hacia lo espiritual en el arte: una perspectiva transdisciplinaria sobre la conexión, la coherencia y la conciencia)
• “Syncretic Strategies” (Estrategias sincréticas) se presentó en la Conferencia SESC (Conferencia de Simulación del Sudeste): Preguntas frecuentes > Preguntas sobre arte, conciencia y tecnología (30 de noviembre al 3 de diciembre de 2006) en San Pablo, Brasil.

Trayectoria académica

Es presidente fundador del Planetary Collegium, centro de investigación avanzada que abrió él mismo en 2003, en la Universidad de Plymouth, Reino Unido (donde es profesor de Artes Tecnoéticas), con sedes en Zurich, Milán, Beijing y San Pablo (véase la reciente cumbre en Montreal). Fue profesor en Londres (las escuelas de arte Ealing, Slade y Central Saint Martins) durante la década de 1960. Después, presidió el Ontario College of Art de Toronto durante un corto período, antes de pasar al Minneapolis College of Art and Design y desempeñarse como vicepresidente y decano del Instituto de Arte de San Francisco, California, durante la década de 1970. Fue profesor de Teoría de las Comunicaciones en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena durante la década de 1980 y profesor de Artes Tecnoéticas en la Universidad de Gales (Newport) en la década de 1990. Ha asesorado a organizaciones de nuevas artes multimedia de Brasil, Japón, Corea, Europa y América del Norte, así como a la UNESCO y la CCE, y desde 2000 ha sido profesor invitado de Arte Multimedia|Diseño en la Facultad de Artes de la UCLA. Es fundador y editor de Technoetic Arts, publicación de investigación especulativa.

Publicaciones

• Ascott, R. (ed.), Engineering Nature. Bristol (Reino Unido): Intellect, 2005.
• Ascott, R., Telematic Embrace: visionary theories of art, technology, and consciousness (E. Shanken, ed.) Berkeley: University of California Press, 2003.
• Ascott, R., Technoetic Arts (ed. y trad. coreano: YI, Won-Kon), (Media & Art Series no. 6, Institute of Media Art, Yonsei University). Yonsei: Yonsei University Press, 2002.
• Ascott, R., Art & Telematics: toward the Construction of New Aesthetics (trad. japonés: E. Fujihara). A. Takada & Y. Yamashita, eds. Tokio: NTT Publishing Co., Ltd., 1998.
• Ascott, R., Reframing Consciousness. Exeter: Intellect, 1999.
• Ascott, R., Art Technology Consciousness. Exeter: Intellect, 2000.

Ascott publicó más de 170 artículos y trabajos académicos en publicaciones especializadas y revistas de muchos países.

Instituciones participantes

British Council, Centro Cultural de España en Buenos Aires, Embajada de Brasil/F.U.N.C.E.B. - Fundación Centro de Estudios Brasileños, Embajada de Colombia, Embajada de México

Universidades Participantes
DiCom (Magister de Teoría del Diseño Comunicacional- F.A.D.U. – U.B.A. - Universidad de Buenos Aires, Universidad Católica Argentina – Maestría en Comunicación Audiovisual MaCa, Universidad del Cine – Licenciatura y Maestría Documental, Universidad Nacional de La Plata - Facultad de Bellas Artes - Doctorado en Arte Contemporáneo Latinoamericano, Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) - Dpto. de Artes Visuales "Prilidiano Pueyrredon" - Postgrado de Especialización en Lenguajes Artísticos Combinados, UNTREF - Universidad Tres de Febrero. Carrera de Artes Electrónicas, Universidad del Centro (Tandil). Carrera de Realización Integral en Artes Audiovisuales de la Facultad de Arte.

Aire de Paris digitalizado

En el enorme Centre Georges Pompidou hay una muestra temporaria que se llama Air de Paris, haciendo alusión a la obra de Marcel Duchamp en la que encerró en una pequeña burbuja de vidrio (similar a un frasco de perfume pero cerrado 50 cm3 de aire de Paris).

En ese contexto el gupo HEHE compuesto por Helen Evans y Heiko Hansen propuso la obra
Champs d'ozone, 2007, (campos de ozono), una instalación sobre una pequeña ventana del centro.

A partir de los datos arrojados por unos sensores de calidad de aire, un algoritmo genera la imagen de una nube que varía de color desde el tranparente hasta el rojo pasando por un verde según el nivel de contaminación aérea. Esta imagen se proyecta sobre la ventana del Pompidou de modo tal que se superpone sobre el cielo.

Un llamado de atención para los que no ven que el cielo de las ciudades cada vez se pone más gris amarronado. Ver Paris con estos colores psicodélicos en el cielo da mucha mnás impresión. Ojalá que sirva para que las cosas cambien.

RoboCUP 2007: Robots que juegan al fútbol?

En el Instituto de Tecnología de Georgia –EEUU- se reunieron más de 34 equipos de distintas universidades del mundo. Los jugadores eran robots que junto a sus creadores se batieron en la RoboCup 2007 –el campeonato mundial de fútbol robótico-. Los robots son autónomos; se mueven, ven y patean sin ayuda externa. La competencia se inició diez años atrás y los futurólogos anuncian que para el 2050, se espera tener un equipo de fútbol que pueda ganarle al campeón mundial (humano) de este deporte, cumpliendo las normas de la FIFA.

Via adlatina Glam

¿Qué es el trabajo?

Documenta 12 Kassel tuvo muy malas críticas, pero acá voy a rescatar una pieza que me resultó muy interesante. Por lo general no me gusta ver muestras de fotografía cuando se exhiben en galerías o en espacios de arte. Hay algo que no me termina de convencer. El simple hecho de apretar el gatillo de un aparato tecnológico que diseñó otra persona, en la mayoría de los casos me parece poco como hecho artístico, puede dar imágenes más o menos interesantes, pero a mí la mayoría de las veces no me atrae demasiado. Sin embargo estas fotos de Allan Sekula tenían algo más, un plus. Se trataba de retratos de gente trabajado, pero estaban copiados en formato de billboard publicitario y colgados en lo más alto de la montaña entre las ruinas de una antigua contrucción. Así, mientras yo, y cada uno de los que subíamos por esa eterna escalera que llevaba a la fortaleza íbamos transpirando gota a gota y escalón tras escalón, se resignificaba el sentido del trabajo físico de estas personas practicando sus oficios. Una enorme pregunta por el trabajo y el esfuerzo físico apareció. Escribo esto mientras estoy sentado en un sillón "trabajando" con mi laptop y me vuelvo a preguntar ¿qué es el trabajo?¿qué es el empleo?¿porqué se habla de desocupación? Creo que uno ocupa su tiempo de alguna u otra forma, pero cuánta gente hace algo realmente físico y cuántos simplemente pensamos en un mundo más abstracto que concreto, -planteos clave del arte del último siglo-. Otras preguntas que surgieron son: ¿Quién subió estos carteles hasta acá arriba? ¿cómo los armaron? ¿quién habrá subido estas piedras/peldaños de la escalera? ¿habrán sido esclavos?¿empleados?¿qué diferencia hay entre un esclavo y un empleado?. A pesar de las malas críticas, me fui de Kassel con todas estas preguntas que si lugar a dudas justificaban de algún modo que en la Documenta siguen pasando cosas interesantes. Ya voy a escribir de otras obras interesantes de Kassel.

Abandonar el sendero asfaltado

Ayer estuvimos hablando de las formas de diseñar el trazado de los senderos peatonales dentro de un campus con propuestas más estructuralistas que plantean una grilla proyectada previamente y procesos más orgánicos que pavimentan los caminos más gastados en el césped luego de un tiempo de uso.
En Münster el Skulptur Projekte se presenta por cuarta vez con una propuesta interesante: un grupo de artistas plantan una serie de esculturas, instalaciones e intervenciones en las calles de esta pequeña ciudad y alrededores. Las obras de esta cuarta edición, conviven con obras realizadas en 1977 y el mapa con las referencias y un catálogo para decodificar la obra se hacen herramientas indispensables en este juego de búsqueda del tesoro.
Por una mera cuestión de orden alfabético la primera obra que aparece en el catálogo y en las referencias del mapa es la que está marcada con el número 27 y, más que una escultura, se trata de una experiencia.
La obra de Pawel Althamer se llama Path -camino o sendero entre la orilla oeste del lago Aa –sí, existe el famoso lago alemán de las palabras cruzadas- y Haus Bakenfeld-. Tal vez porque era la primera de la lista o bien porque era la más lejana del centro de la ciudad y era muy temprano, decidí emprender mi paseo en bicicleta hasta llegar al lejano punto 27. De un prolijo sendero asfaltado que bordeaba con curvas pintorescas el lago Aa, entre árboles, piezas de otras ediciones de Skulptur Projekt Münster y molinos de viento se abría un sendero de tierra como los que hacen las vacas en el campo, perpendicular al camino de cemento que propone simplemente recorrerlo. Llegar hasta el extremo más lejano de la muestra y salirse del orden alemán para recorrer el campo por un caminito embarrado por la lluvia de la mañana, cruzando transversalmente un par de senderos y una ruta para autos ¡sin senda peatonal! e internarse en un campo sembrado con trigo era casi surreal. Una propuesta de experiencia visual, auditiva, táctil, olfativa y porqué no gustativa probando algún pasto o grano de trigo de estas espigas secas, en la que el artista no hizo mucho más que señalar un camino, poniendo un signo de interrogación a la idea "escultura contemporánea". Salir de la urbe e internarse en la naturaleza, proponiendo romper el molde de lo establecido por los ordenados carriles señalizados para autos, bicicletas y peatones y cambiándolo por un camino más orgánico y menos regulado.

En algún punto esta propuesta tiene algo de lo que Robert Smithson propuso en Spiral Jetty, su famosa obra de Land Art cuya principal motivación era hacer que la gente saliera de las rutas asfaltadas y señalizadas de EE.UU. para internarse en un camino de tierra -extraño en ese contexto- y tener la experiencia concreta de choque con lo no hecho por el hombre. Mientras paseaba por esta obra/sendero en Münster se hicieron las 8 de la mañana, sonaron las campanas de las iglesias, que se escucharon desde las afueras y me hicieron recuperar una sensación de orden y de ciudad que ya había perdido. Esta invasión del mi espacio sonoro me obligó a interrumpir este "viaje" para seguir adelante viendo otras piezas que ya relataré.

Münster, Kassel y ZKM: una intro al Grand Tour Alemán

Hace poco tuve la suerte de estar de viaje por Europa y me armé lo que demoniné el Grand Tour Alemán. Una vez cada tanto se alinean los planetas y ocurre un fenómeno astronómico y astrológico particular. Lejos de algo tan grande como los astros y las estrellas, en 2007 coincidieron 4 importantes muestras en la escena europea -y mundial-. Lo que algún genio marketinero denominó el Grand Tour 2007 incluye cuatro eventos culturales de las artes visuales: La 4ª edición de Skulptur Projekte Münster -que se realiza cada 10 años en Münster, Alemania-, la 12ª edición de Documenta -que se lleva a cabo cada 5 años en Kassel, Alemania-, la 57ª Bienal de Venecia -que, como su nombre lo indica se hace una vez cada 2 años en Venecia, Italia- y la 39ª edición de Art Basel -que todos los años en Basilea, Suiza cocina las compras y ventas más importantes del mercado de arte mundial-. Hacer el reporte de toda la parte que recorrí del Grand Tour (en Alemania) resultaría muy complejo por la bestial cantidad y la diversidad de proyectos artísticos que se incluyen en cada uno.
Dos de las tres muestras que voy a relatar tienen una particularidad: están programadas con una anticipación que aterra. Pensar a 5 años resulta difícil en nuestras latitudes y ni que hablar en pensar a 10: ¡una década! Cuántas cosas pueden cambiar en uno de nuestros países en ese tiempo: la realidad política, social y económica con ritmo latino hace que nuestros planes sean mucho más inmediatos. Hasta pensar bienales se hace complejo acá. En Alemania no es así y se permiten hacer planes a largo plazo como Documenta en Kassel que se lleva a cabo hace más de 60 años y Skulptur Projekte Münster que este año cumple 40 años. Estas dos fueron mis paradas previas a pasar por el ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, una de las mecas del arte y tecnología mundial, donde tuve la suerte de encontrarme con Peter Weibel, su director. En los próximos días voy a hacer referencia a estas muestras, a medida que vaya armando textos para relatar muchas de las fotos que saqué.

Resplandores

Hasta el 2 de septiembre se puede visitar en el Centro Cultural Recoleta la muestra Resplandores curada por Graciela Taquini y Rodrigo Alonso que recorre incluye obras de un grupo grande de artistas que trabajan con "nuevas tecnologías". Muy recomendable ir a ver. Es posible que dentro de poco publique un nuevo post con más info de algunas obras. Mientras tanto los dejo con un link a lo que escribió Diana Fernández Irusta al respecto en la nueva revista ADN Cultua de La Nación.

CAT (Ciencia, Arte y Tecnología) en la Buenos Aires

Algo que le faltó a la primera etapa de este blog fue hacer una pequeña introducción al vínculo entre arte y tecnología existente en Buenos Aires. Creo que es muy interesante remitirlos a leer a uno de nuestos teóricos especialistas en el tema que es Rodrigo Alonso y en especial su texto ARTE Y TECNOLOGÍA EN ARGENTINA: LOS PRIMEROS AÑOS
publicado en Leonardo Electronic Almanac, 13:4, abril 2005. Cabe destacar que Leonardo es una publicación que hace 40 años se dedica a estudiar estos vínculos entre arte, ciencia y tecnología. En este paper Rodrigo hace una interesante historia de este tipo de arte en la argentina.
Otra labor curatorial destacable es la que desarrolla la curadora y "artista emergente" como se autodenomina Graciela Taquini quien desde su gestión pública en el Centro Cultural General San Martín y en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) oraganizó y organiza constantemente muestras y festivales en los que abre generosamente la puerta a muchos artistas nuevos y consagrados. Entre Rodrigo y Graciela han curado gran parte de las últimas y más destacadas muestras que vinculan arte y tecnología. Actualmente está la muestra Resplandores en el Centro Cultural Recoleta.
Entre los espacios locales se destaca Fundación Telefónica Argentina que, si bien carece de una dirección curatorial, es EL espacio que por excelencia se dedica a mostrar estos vínculos entre arte y tecnología. Hace unos años desarrolla el Programa de arte interactivo dirigido por Rodrigo Alonso y Mariano Sardón, el programa de becas INTECAMPOS dirigido por Patricia Hakim y el Proyecto Bola de Nieve, desarrollado en conjunto con la publicación Ramona en el que se encuentran trabajos de más de 200 artistas locales. Además este espacio organiza anualmente junto con LIMB0 y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) el GRAN PREMIO A LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS, que tuve el honor de ganar en la edición 2005. Más de una razón para ser el espacio rector de esta actividad. LIMB0 es un espacio liderado por Gustavo Romano que también se plantea como un laboratorio de investigaciones multidisciplinarias y organiza regularmente actividades. Gustavo Romano también está a cargo del Media Lab en el CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires desde donde constantemente se proponen cursos y workshops para desarollar proyectos. El mismo Romano, junto con Belén Gache, Jorge Haro y Carlos Trilnick dirigen una iniciatival llamada Fin del mundo que aborda las relaciones entre arte e internet hace unos cuantos años.
Entre los museos, los que más se ocupan de este tema son el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) liderado por Laura Buccellato y el Museo de Arte Latino Americano en Buenos Aires (MalBA) también realiza muestras que incluyen el uso de tecnologías en su espacio contemporáneo y en la expanada.
Otro espacio que surgió en el 2003 fue CheLA un espacio fundado por Fabián Wagmister director del Hypermedia Studio, en la University of California at Los Angeles quien generosamente gestionó un convenio con la Fundación Antorchas para que muchos becarios (entre los que me incluyo) fueran como profesores invitados a la UCLA a hacer investigaciones vinculando arte, ciencia y tecnología.
Son importantes los programas académicos que se presentan en la FADU (facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo) de la UBA (Universidad de Buenos Aires) como la Carrera de Imagen y Sonido, el Padd (Posgrado en Diseño Digital) y el Dicom (Posgrado en Diseño Comunicacional); en el departamento de artes multimediales del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte); en la Untref (Universidad Nacional de Tres de Febrero) presenta su carrera de Artes electrónicas; en la Universidad Maimónides se ofrece la Licenciatura en Tecnología y Diseño Multimedial y en la Universidad Nacional de Quilmes se da la Licenciatura en Composición con Medios Electroacústicos.
Es complejo definir quienes son los artistas que hoy trabajan en este campo, ya que desde mi punto de vista TODOS los artistas trabajan de una u otra forma con tecnología. Así que acá termina mi primer informe local.

MEMORIA DO FUTURO: 10 años de arte y tecnología en Itau Cultural

Luego de bastante tiempo vuelvi al blog. La semana pasada estuve en San Pablo, montando moebius display (les paso también un link para ver el video) El audio de esta obra fue compuesto por dos participantes del TECAT Oliverio Duhalde y Sergei Grosny y los primeros prototipos también fueron hechos por nuestro Dr. en ingeniería electrónica José Luis Hamkalo, quien también participa del taller. La muestra MEMORIA DO FUTURO: 10 años de arte y tecnología en Itau Cultural, resumia las producciones de arte y tecnología más importantes de esta institución. Itaú Cultural es una Fundación Brasileña muy interesante que depende del Banco Itaú.

Apophenia: un experimento electro acústico

vía wmmna

Una instalación de Keny Marshall en SPACE Gallery (Pittsburgh) llamada Apophenia consiste en un par de peces pequeños en su pecera. Mientras nadan componen una sinfonía de distintos instrumentos de viento reconstituídos y ubicados en distintos lugares de la galería.

Hay dos video cámaras que "leen" los movimientos de los peces y transmiten su señan a dos monitores que conitienen 8 foto células que se disparan cada vez que el pez pasa frente a ellas. Cuando esto sucede se produce movimeinto de aire a través de las trompetas. El movimiento constante de los peces así genera sonido. Unos LEDs titilan indicando cada vez que una de las foto células es activada.

sofwares libres

Hay un par de softwares libres y gratuitos desarrollados para activar estructuras interactivas que vale la pena investigar: Processing, Pure Data (PD), que es como una versión libre de MAX/MSP, open frame works y Arduino.

BASURAMA

Hablamos algo de la basura y sus ciclos y creo que está bueno que se den una vuelta por Basurama un proyecto español que da varias alternativas de proyectos con basura.

Algunas referencias

Rodney Graham es un artista canadiense que tiene muchas obras en las que opera sobre medios analógicos de reproducción (cámaras oscuras, proyectores de diapo y de film, diseño de máquinas, discos de vinilo en sincro con proyectores de 16 mm, etc.). Yo vi una muestra de el en el MOCA (Museum of contemporary art en Los Angeles, California muy interesante).



También hablé de Mariko Mori y su Wave UFO. La "nave espacial" en la que uno se mete y genera imágenes y sonidos a partir de sus ondas cerebrales.


Les paso un par de imágenes de Ernesto Ballesteros y sus "fuentes de luz tapadas"



Dark Room de Roberto Jacoby es el proyecto de la oscuridad del cual estuvimos hablando. Puede verse una versión de este proyecto hasta este domingo en la muestra Off-Fora en el Centro Cultural Recoleta. Hay un texto interesante de Reinaldo Ladaga al respecto.

Interactive architecture

Interactive architecture es un blog de un programa similar al TECAT que se da en una escuela de arquitectura.

V*I*D*A* Lab es un espacio similar al TECAT también que dirige Alejandro Tamayo en Colombia van a encontrar proyectos y links en español!

WMMNA - BLOG

Nuevamente recomiendo el site que Regine actualiza a diario con mucha info acerca de proyectos de arte y tecnología: we-make-money-not-art. Un Blog con mucha información ordenada por tópicos, hay una gran cantidad de links a proyectos, personas e instituciones que se dedican a este tipo de investigación y producción.

Making things

En la parte de Proyectos de Making Things van a encontrar varios proyectos del tipo de lo que estamos discutiendo en clase.

Algunos links de páginas de Artistas

Pueden ver conejos fosforescentes, código de ADN modificado, Arte de Telepresencia y MUCHO texto en la página de Eduardo Kac , un artista Brasileño que vive en Chicago y es muy interesante.

Algunas obras de Rafael Lozano Hemmer vimos en clase y creo que está bueno que se den una vuelta por su sitio. Es un Mexicano que vive entre el DF y Canadá y tiene muchas obras en el área que el denominó como arquitectura relacional.


El sitio de David Rockeby no está muy actualizado, pero son interesantes sus trabajos de vision Takking. Trakeo de personas y de presencias a partir de una imagen de una cámara de seguridad.

Si bien no trabaja con inputs y outputs, la obra de Olafur Eliasson es en su mayoría con luces y creo que es bueno que la vean.

Touched echo

Hay un ícono en la branada que explica la forma de interacción (en la foto).

Markus Kison desarrolló esta instalación mediática llamada "Touched Echo" en la balustrada de "Bruehlsche Terrasse" en Dresden, lugar desde el que los turistas tienen un gran panorama del "Neustadt", casi completamente destruido en un bombardeo de la fuerza aérea inglesa durante la segunda guerra mundial. con el gesto de ocluir los oídos para no escuchar las bombas, el público puede ser trasnportado por las vibraciones al pasado en ese mismo lugar (13.2.1945). El sonido es conducido por un fenómeno llamado vivración osea. Una vez en posición, se oyen los bombarderos volando y poco más tarde las explosiones de las bombas.

Bases de datos

Subo algunos links de Information Arts de Stephen Wilson acerca de trabajos hechos con bases de datos. Creo que puede ser bueno que los vean. Vamos a discutirlos la clase que viene.

Robert Niderffer, Victoria Vesna, Database explorations de acá están tomados los dos textos que estamos leyendo y hay varios más

Eugene Thacker-Database/Body tiene relación con el texto de Lev Manovich que estamos leyendo

Database Imaginary Show (Banff) una muestra de arte con muchas obras hechas en función de bases de datos

Martijn Engelbregt (EGBG) - Surveys, Data + Statistics busquen el video, es largo, pero interesante. Está en Real.

Galloway, Rhizome es una enorme base de datos de obras de artistas que hacen net art

Alberto Frigo - SOBJECT (ona base de datos simple de objetos en una mano)

Sharon Daniels,Mark Bartlett - Subtract the Sky es interesante que lo lean

Simon Biggs Babel (un espacio de datos en 3d)

George Legrady - Pocketfull of Memories (scanning objects in visitor pockets), Making Visible the Invisible (realtime library ciruclation) busquen en projects

Stephen Wilson CrimeZyland dentro de art works

James Coupe - 9++ spin

Konrad Becker - Synreal Systems

Karen O'Rourke , ArtChivist, Paris Reseau

Andrei Savitsky - trashback

Robert Nideffer - proxy

CoDe of Practice - tate

All Star Data Mappers - Dataterra

Carsten Nicolai, Marco Peljhan; .-Project Atol Polar

Rick Valicenti - Thirst

Jenny Marketou

Lynn Hershman Leeson - Life to the Second Power: Animating the Archive

Natalie Jeremijenko, Chris Dierks, Jesse Arnold, Robert Twomey - how stuff is made (collab research to create wiki)

Hay dos ejemplares de este libro en la biblioteca de la UCA

Big Brother

El otro día estuvimos hablando del libro de George Orwell 1984...miren a lo que llegó. En esta imagen de Thisislondon se muestra la casa histórica de George Orwell y la cantidad de cámaras de seguridad que hay a en su entorno.

La imagen pertenece a thisislondon.co.uk

Genealogía del TECAT

En estos días estuve juntando bastante material para postear en este Blog y creo que -primero lo primero- quiero compartir con ustedes una historia de este tipo de centros que cruzan arte, ciencia y tecnología que encontré en la página del MECAD (uno de estos centros en Barcelona).

Itinerario por los centros de media art
Texto tomado de la página del MECAD

Es interesante constatar que los experimentos artísticos pioneros basados, al principio, en la transmisión por satélite (por ejemplo, "Two Way-Demo", de Carl Loeffler y otros, 1977) y luego a través del sistema telemático (por ejemplo, "Terminal Consciousness", de Roy Ascott, 1980), coinciden en el tiempo con la creación de los primeros centros dedicados a la producción, difusión y apoyo al media art. Espacio virtual y espacio físico surgen simultáneamente como dos necesidades inminentes para el desarrollo del arte electrónico.

Hemos seleccionado un recorrido por 16 centros existentes en distintas partes del mundo que desempeñan un papel relevante en el panorama del arte electrónico. En el futuro, esta selección se ampliará gradualmente. No se trata, sin embargo, de una visita "unidireccional", sino que la finalidad es proporcionar un recorrido virtual hipertextual -mediante los diversos enlaces- con cuantiosa información y documentación.

Muchas de estas instituciones funcionan como centros de apoyo a la producción de arte electrónico y, específicamente, de arte interactivo y net art. El usuario puede encontrar en las Webs de los centros accesos a algunas de las obras producidas por las instituciones. En su conjunto, esta sección dedicada a los "centros físicos" y sus producciones on-line y off-line ofrece una guía de visitas telemáticas a los espacios, una visión histórica de la expansión progresiva del arte electrónico en el contexto mundial, y una prospección de las obras artísticas o sobre el arte generadas por estas instituciones.

En veinte años - desde la inauguración de Montevideo en 1978 hasta la creación de MECAD en 1998- estos centros han podido sentar las bases para el desarrollo del arte que vincula las nuevas tecnologías y las ciencias, y continúan corroborando la investigación, catálisis y promoción de nuevas experiencias en este campo.

The Netherlands Media Art Institute Montevideo

Montevideo abre sus puertas en Amsterdam en 1978, transformándose, así, en uno de los centros precursores dedicados al media art. La labor de este instituto es la de desarrollar, aplicar y distribuir las nuevas tecnologías en el campo de las artes visuales a través de la presentación, la colección, la investigación y los servicios. Su edificio dispone de un artlab con equipos y salas de edición; salas de exposición en las que se celebran hasta diez muestras cada año; salas para eventos como conferencias, simposios, performances, talleres y programas educativos. Desde su fundación, Montevideo ha creado una gran colección propia de vídeos y obras de media art, además de conservar las colecciones de los centros De Appel y Lijnbaancentrum. En su conjunto comprenden más de mil trabajos que abarcan desde los primeros experimentos de artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio hasta producciones recientes de artistas jóvenes.

Ars Electronica

En 1979 se creó el primer festival de carácter internacional dedicado al arte y las nuevas tecnologías, Ars Electronica, en la ciudad de Linz, Austria. La idea básica partió del teórico cibernético y físico Herbert Franke y del director del canal ORF de Austria, Hannes Leopoldseder, entre otros. Su lema -la mirada hacia el futuro- ha permanecido como punto de referencia de los festivales, que tuvieron, al principio, carácter bianual (1979, 1980, 1982, 1984, 1986). A partir de 1986, con la entrada de Peter Weibel y Karl Gerbel en la organización del festival, el evento se planteó con periodicidad anual y asumió identidad propia. Desde esta época, los festivales proponen temas específicos cada año y, a partir de 1987, incorporan el Prix Ars Electronica http://www.aec.at/index-new.html, actualmente uno de los premios más prestigiosos en este campo. La tercera etapa de Ars Electronica empezó con la inauguración de la sede física del festival, el Ars Electronica Center - Museum of the Future http://www.aec.at, en 1996.

V2 Organisation

En 1981, se fundó en Hertogenbosch, Holanda, la V2 Organisation http://www.v2.nl/, una asociación de artistas circunscrita a las artes y las nuevas tecnologías, que hasta hoy desempeña un papel relevante en el apoyo a la producción y la promoción del media art. La organización dispone, desde 1994, de una nueva sede en el centro de Rotterdam, que cuenta con un medialab y salas para eventos y actividades. Desde 1987, V2 había presentado anualmente un festival de media art en Hertogenbosch, que a partir de 1994 se trasladó a Rotterdam y pasó a denominarse DEAF Festival - Festival for the Unstable Media http://www.v2.nl/deaf/. DEAF tiene carácter bianual y se ha consagrado como uno de los principales eventos europeos en este campo. Cada una de las ediciones trata un tema específico, alrededor del cual están estructurados los contenidos del evento. En el contexto de V2 se ha creado, en 1996, el centro de información on-line Syndicate http://colossus.v2.nl/syndicate/index_frames.html, cuyo objetivo es servir de punto de encuentro entre artistas, comisarios, networkers, teóricos y organizadores de festivales en el campo del arte electrónico. Una de sus principales intenciones es establecer una intercomunicación entre Europa del este y del oeste. Syndicate, además de su Web, elabora una lista de noticias con temas e informaciones relevantes para el mundo del media art, que llega diariamente a los usuarios suscritos.

Leonardo

Leonardo nació, en primera instancia, como revista. Creada en 1968, en París por el científico norteamericano Frank Malina, su objetivo era generar un medio de comunicación entre artistas que estuviesen vinculados con la ciencia y el uso de tecnologías en el arte. A su muerte en 1981, uno de sus hijos, Roger F. Malina, trasladó Leonardo a California y con el apoyo de otros cuatro miembros creó, en 1982, la Leonardo International Society for the Arts, Sciences and Technology - ISAST http://mitpress.mit.edu/Leonardo,que tiene su sede hoy en San Francisco. La Asociación funciona como una red en la que los artistas e interesados pueden encontrarse, presentar sus trabajos, intercambiar puntos de vista y establecer colaboraciones. Esto se lleva a cabo mediante eventos locales, foros electrónicos y colaboraciones con individuos u organizaciones tales como la Inter-Society for the Electronic Arts (ISEA), la Art, Science and Technology Network (ASTN), el festival Ars Electronica, o YLEM - Artists Using Science and Technology. Leonardo es conocida sobre todo por sus importantes publicaciones en este campo, que son de interés especial para quienes se preocupan por la relación entre el arte o la música con las nuevas tecnologías y las ciencias: Leonardo Music Journal y Leonardo Electronic Almanac. La reciente Leonardo on-line http://mitpress.mit.edu/ejournals/Leonardo/home.html permite a los usuarios el acceso directo a textos, obras de arte y creaciones sonoras, que complementan la información de la revista en papel. La organización pareja en Francia, la Association Leonardo, publica en francés la revista on-line Observatoire Leonardo des arts et des technosciences.

MIT Media Laboratory

A partir de una idea que Nicholas Negroponte empezó a gestar en 1980, se creó el MIT Media Laboratory http://www.media.mit.edu, cuya inauguración de su sede en el Wiesner Building -un proyecto arquitectónico de I. M. Pei- se celebró en 1985.
Además de consolidarse como uno de los principales centros de investigación y desarrollo de nuevas tecnologías aplicadas al arte y la ciencia, con áreas específicas dedicadas a la electrónica, al vídeo digital y al multimedia, el MediaLab está vinculado a un programa académico conocido como Program in Media Arts and Sciences, con estudios de licenciatura, doctorado y master. La idea de interdisciplinariedad se aplica en este centro de forma magistral.

ART 3000, París, Francia.

Desde su creación en París, en 1989, Art 3000 se dedica a la investigación de las nuevas tecnologías y su aplicación a la creación y a la comunicación. Art3000 tiene los objetivos de favorecer la comunicación transversal y amplia en lo referente al arte, formar e informar a los artistas en el ámbito del media art, producir y editar obras en este campo. En 2000, ART3000 fue responsable de la organización de la décima edición de ISEA - International Symposium on Electronic Art -ISEA2000- http://www.isea.qc.ca (7 y el 10 de diciembre del 2000).

INM - Institut für Neue Medien, Frankfurt, Alemania.

Los inicios del INM se remontan a su constitución, en 1989, por iniciativa de la Städelschule, la Escuela Superior de Artes Plásticas de Frankfurt am Main. En este mismo año, Peter Weibel fue designado para la dirección y la creación del instituto. Después de once años de estructuración y construcción física del centro, el INM fue inaugurado en 1990. Además de centro de investigación y producción, el Instituto para Nuevos Medios tiene un programa de formación en postgrado en el ámbito del media art. El INM se ha separado de la Städelschule y sigue como institución independiente. Dispone de varios medialabs totalmente equipados, así como de una biblioteca especializada y de salas para eventos.

ZKM - Zentrum für Kunst und Medientechnologie
Karlsruhe, Alemania

En el contexto de este recorrido, el centro más notorio en estos momentos es el ZKM - Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe (Centro de Arte y Media) http://www.zkm.de, en Alemania. El centro está instalado en una antigua fábrica de munición completamente restaurada, considerada un monumento industrial de 1918. La institución ZKM fue creada en 1989 y el edificio fue inaugurado en octubre de 1997. De impresionantes dimensiones, todo el complejo tiene 312 metros de longitud y 52 metros de ancho, con varios patios de luz. El ZKM y la Escuela Superior de Diseño ocupan una superficie de 42.000 m2. El edificio abriga, igualmente, el Museo de Arte Digital, una colección de arte contemporánea, centros de producción, la mediateca, la biblioteca, el Instituto de Música y Acústica y el Teatro de Medios. El ZKM reúne bajo su techo actividades de investigación, colección, exhibición y desarrollo de proyectos. De esta forma, ofrece una plataforma para trabajar y producir en sus medialabs a artistas invitados de todas partes del mundo.

CICV Pierre Schaeffer, Hérimoncourt, Francia

Creado en 1990, el CICV es un centro de arte y creación internacional que sitúa las cuestiones de la imagen, el sonido y las comunicaciones como núcleo de su actividad.
El centro pretende crear un espacio en el que artistas, científicos y filósofos puedan desempeñar un papel crítico. El CICV interviene en los siguientes campos: creación audiovisual, artes plásticas, teatro, música, instalaciones interactivas, performance, publicidad, comunicación, diseño y literatura. También proporciona becas de investigación y producción de proyectos en el ámbito del multimedia.

Fournos Center for Art and New Technology, Atenas, Grecia

Este centro comenzó como estudio de arte en 1990 con el nombre de EIKONA Art Studio y cambió más tarde sus oficinas a una antigua panadería (fournos en Griego), adoptando el actual nombre. Fournos Center se caracteriza por la alternancia y combinación de distintas artes (teatro, danza, vídeo, actuaciones, artes gráficas, poesía, música, eventos…). En 1998, colaboró en la realización del primer Festival Griego de Arte y Tecnología. En 1999, Fournos organizó el festival internacional MEDI@TERRA Mediterranean and Balkan Art & Technology Festival, en Atenas, que pretende potenciar las relaciones culturales en el ámbito del media art entre los países del Mediterráneo y del sur y este europeos. El próximo gran evento está previsto para el año 2004, cuando Atenas será sede de los juegos olímpicos, y adoptará, por tanto, el nombre de Medi@terra - Medi@games.

CYPRES - Centre Interculturel de Pratiques, Recherches et Echanges Transdisciplinaires, Aix-en-Provence, Francia

Esta organización fue creada en Aix-en-Provence, Francia, en 1991. Como centro de investigación, creación y formación realiza regularmente en l´Ecole d´Art d´Aix-en Provence, así como en otros lugares de Francia y el extranjero, exposiciones, performance, encuentros, debates, coloquios, seminarios y talleres. Estas manifestaciones son el producto de estrechas colaboraciones entre artistas, científicos y tecnólogos de ámbito local, nacional e internacional. CYPRES organiza actividades de edición y producción audiovisual, y tiene un programa de artistas en residencia destinado a ofrecer a los creadores e investigadores la posibilidad de realizar sus proyectos in situ, en sus laboratorios específicos: LOEIL - Laboratory Objects Space Intelligence Language, y laboratorio de fotografía digital.

CAiiA - STAR
Centre for Advanced Inquiry in the Interactive Arts /
Arts Science, Technology and Art
Newport / Plymouth, Gran Bretaña

CAiiA-STAR es una plataforma de investigación que integra dos centros de estudio denominados CAiiA - The Center for Advanced Inquiry in the Interactive Arts, en la Universidad de Gales, Newport, y STAR - Centro para la Ciencia, la Tecnología y la Investigación Artística, en la Escuela de Informática de la Universidad de Plymouth.
CAiiA se estableció en 1994 como resultado del éxito de la primera titulación del país en Arte Interactivo. STAR se creó en 1997, sobre la base de los buenos resultados obtenidos por la Escuela de Informática de Plymouth en la investigación en los campos de los sistemas interactivos, la vida artificial, la robótica y la ciencia cognitiva. Juntos, CAiiA y STAR, proporcionan una núcleo para la investigación teórica y la aplicación práctica del media art.

Centro Multimedia, Centro Nacional de las Artes, México

Creado en 1994, el Centro Multimedia es un espacio de CENART dedicado a la investigación, la experimentación y la aplicación de nuevas tecnologías a la expresión y el arte. Entre sus objetivos se encuentran los de fomentar la utilización de las nuevas tecnologías con fines expresivos y didácticos, desarrollar investigaciones sobre el empleo de los medios electrónicos, facilitar el acceso de los alumnos, maestros e investigadores del Centro Nacional de las Artes a las nuevas tecnologías, así como de impulsar la exploración en el campo de las artes. El Centro Multimedia edita una colección de libros, que toma sus contenidos de investigaciones y obras realizadas en el centro, y de traducciones al castellano de obras relevantes. También produce programas interactivos en CD-ROM y páginas web en colaboración con institutos culturales.

C3 - Center for Culture and Communication

C3 se creó en Budapest en 1996 por iniciativa de la Soros Foundation Hungary, y a consecuencia de su éxito durante un periodo experimental de 3 años, es ahora una fundación independiente. Sus objetivos son la aplicación cultural y el empleo creativo de los nuevos medios tecnológicos y científicos, y la investigación, el desarrollo y el apoyo de potenciales artísticos innovadores. Una de sus tareas principales ha sido la introducción y propagación de Internet en Hungría. El centro cuenta con cuatro medialabs, cada uno de ellos dedicado a una función: "Silicon Lab", que ofrece sus equipos a organizaciones sin ánimo de lucro y a especialistas invitados para la experimentación y el desarrollo de proyectos; el "Resource Lab", que funciona como laboratorio de investigación ofreciendo recursos escritos y digitales en las áreas de cultura contemporánea, tecnología informática y desarrollo de Internet; el "Exploration Lab", que es un espacio para la presentación de los proyectos desarrollados en el centro y la realización de talleres, simposios y conferencias; y el "Internet Lab", que ofrece acceso gratuito a Internet.

NTT InterCommunication Center (ICC), Tokio, Japón

Creado en 1997, en Tokio, el centro dispone de una colección permanente de obras de arte electrónico adquiridas o producidas por el propio centro, y de salas de exposición temporales dedicadas a temas específicos, a la obra de artistas pioneros o a trabajos experimentales. Además de las exposiciones, realiza otros eventos, como muestras de vídeos, performances, talleres y simposios.

MECAD\Media Centre d'Art i Disseny

El centro de creación más reciente es el MECAD\Media Centre d'Art i Disseny http://www.mecad.org, inaugurado en 1998 en Sabadell-Barcelona, España, a iniciativa de la Fundació FUNDIT, cuyo patronato está compuesto por un conjunto de empresas e instituciones en su mayoría privadas. Este centro está orientado a la investigación, la producción y el apoyo de las prácticas creativas que emplean las nuevas tecnologías audiovisuales, telemáticas e interactivas. De esta forma, la entidad se dedica a la organización, la producción y la difusión de eventos (exposiciones, talleres, conferencias, seminarios, conciertos, publicaciones on-line y off-line, etc.) relacionados con el campo del arte electrónico. A través de su programa de becas de apoyo a la producción y la investigación, y de la creación de un medialab, MECAD incide directamente en el ámbito de la creación digital. MECAD aspira a ser, asimismo, un centro virtual de arte y reflexión. En este sentido viene desarrollando el site específico de net art, Galería Virtual, http://www.mecad.org/gale.htm y la revista on-line de arte, ciencia y tecnología http://www.mecad.org/e-journal. MECAD comparte el espacio físico de aproximadamente 10.000 m2 con la Escuela Superior de Diseño ESDI, instalado en una antigua fábrica textil totalmente restaurada. En 2001, MECAD abre una nueva sede en el centro de Barcelona, en el Paseo de Gracias, en el que desarrollará otras actividades culturales y académicas.

Otros centros

En este recorrido, no podemos omitir el MIDE- Museo Internacional de Electrografía , creado en 1990 en Cuenca, España, un centro único en esta especialidad más comúnmente llamada Copy Art . Vale la pena destacar la aportación de otros dos museos que, aunque no se consagren específicamente al arte electrónico, desempeñan un papel importante en su divulgación y dedican espacio en su programación a eventos o producciones de media art. Otros centros relevantes son el Centre Pompidou, París y el Banff Centre, Banff Alberta, Canadá . Creado en 1933, el Banff Centre supo adaptarse a los cambios del arte y sus técnicas, y en la actualidad dedica una parte importante de su programa al apoyo a la producción y la formación en los diferentes campos del audiovisual y el multimedia. El Centre Pompidou, inaugurado en 1977 y recién reformado, siempre ha mantenido un vínculo estrecho con las manifestaciones artísticas más actuales y experimentales. En sus espacios se han presentado algunos de los eventos emblemáticos de arte y tecnología, como la exposición "Les Immatériaux" (1985), comisariada por Jean-François Lyotard y Thierry Chaput.actual.

programa

TECAT | Taller Experimental de Comunicación, Arte, y Tecnología.

Objetivo / definición

Espacio multidisciplinario que tiene por objetivo realizar proyectos que pongan en tensión lenguajes tecnológicos o tecnologías expresivas preexistentes para generar nuevas posibilidades de comunicación entre distintos campos del saber.

Introducción

La UCA es un espacio académico con características únicas en la Argentina. Una universidad con un campus en el que conviven todas las facultades. Sin embargo, si bien existen distintas tecnologías como la escritura que comparten todas las facultades de la universidad, es claro que cada una desarrolló un estilo en el uso del leguaje y así se fueron creando códigos que generaron compartimientos estancos. Estas diferencias se evidencian más en un espacio como el campus de la UCA, en el que funcionan más de 10 facultades distintas y la interacción entre ellas es muy pobre.

A pesar de esta distancia histórica que fue alejando a las distintas ramas del saber, desde hace unos años la investigación y el aprendizaje de los códigos que plantean las llamadas “nuevas tecnologías” –PC’s, Internet, etc.- representa un espacio común a todas las disciplinas. Algunas revistas internacionales como Leonardo, publican cada vez una mayor cantidad de trabajos científicos y artísticos realizados por grupos multidisciplinarios.

El TECAT - Taller Experimental de Comunicación, Arte, y Tecnología- se plantea como un espacio que, a partir de discusiones originadas por la tecnología, establece vínculos entre alumnos y profesores representantes de las diferentes unidades académicas para repensar los vínculos entre los códigos propios de cada uno y generar nuevos espacios de pensamiento común. En concordancia con esta búsqueda de nuevos campos de contacto, este proyecto es presentado desde el ICOS –Instituto de Comunicación Social, Periodismo y Publicidad- y busca como primeros y principales aliados estratégicos a las facultades de Ingeniera y de Música. Este espacio comenzará con una serie de proyectos de investigación planteados y coordinados por el Dr. Martín Bonadeo, con el objetivo de que a mediano plazo se vayan diversificando, ampliando y generando nuevos cruces interdisciplinarios.[1]

El punto de partida, para comenzar a constituir el TECAT, es la realización de un seminario cuatrimestral invitando a profesores y alumnos avanzados de todas las facultades de la UCA a participar en esta experiencia teórico / práctica. En este seminario se definirán arte, ciencia y tecnología para luego incentivar la investigación y producción de material sobre los límites y los espacios híbridos entre las distintas disciplinas.

Las exposiciones teóricas serán acompañadas por una serie de ejercicios prácticos, individuales y grupales, que debatirán las formas tradicionales de abordar la tecnología, para finalizar con una experiencia práctica multidisciplinaria grupal que profundice sobre las posibilidades expresivas de las “nuevas tecnologías” proponiendo un cruce entre disciplinas.

Antecedentes

Las primeras experiencias multidisciplinarias realizadas por el Dr. Martín Bonadeo fueron en la UCLA (EE.UU.) dentro del marco de la beca Antorchas para participar en el Hypermedia Studio[2] y en sus experiencias en la facultad de Design and Media Arts D|MA[3]. Dos de los proyectos desarrollados en ese entorno fueron “Cuerpo óptico” y “Mulholland drive”. El primero[4] desarrollado en conjunto con Rob Henderson, un estudiante del master de arquitectura, y Vids Samanta, un programador hindú que se encontraba desarrollando su doctorado en sistemas. El segundo proyecto[5], por su parte, fue desarrollado en conjunto con Scott Hessels, productor de cine y TV y docente en la UCLA, y Michael Chu, un estudiante del master de diseño multimedial. Este proyecto fue seleccionado y participó en el Japan Media Arts Festival[6].

Ya establecido en Buenos Aires, el Dr. Bonadeo realizó el proyecto “Moebius Display”[7]. En este proyecto, colaboraron docentes de la carrera de Música y de Ingeniería Electrónica de la UCA. Por otra parte, hoy existen una serie de proyectos que se están desarrollando en colaboración con docentes de distintas carreras de la UCA de manera informal, relaciones que a través del TECAT podrían formalizarse.

Programa / contenidos

Unidad 1: Arte, Ciencia y tecnología, ¿compartimentos estancos?

La tecnología como nexo entre distintos campos - Cuando el arte necesita del conocimiento científico para progresar - Cuando la ciencia necesita al arte para expresar sus ideas - casos

Unidad 2: Espacio, ambiente, percepción y comunicación natural

Inputs y outputs: percepción y psicología de la máquinas – Inputs: mouse, teclado, touch sceen y distintos sensores – customización de sensores – Outputs: Monitor, teclado, parlantes, proyector de datos, Basic Stamp y Teleo – customización de outputs que van más allá de los Standard - casos

Unidad 3: Tecnologías hi-tech y low-tech

Impacto de lógica de las máquinas y los códigos sobre teorías de comprensión de fenómenos humanos. Tecnología desechada y posibilidades de re-utilización en nuevas estructuras - casos

Unidad 4: Hacia un futuro de conocimiento híbrido

Las computadoras como elemento común a todas las ramas de la ciencia, Las formas de representación visuales, auditivas y en otros sentidos menos explorados - casos

Todas estas actividades se acompañan de trabajos prácticos para los que se formarán equipos de trabajo multidisciplinarios. Para el final, los participantes presentarán un proyecto o prototipo de trabajo realizado en función a los conocimientos adquiridos

Otras informaciones

El TECAT funcionará en dependencias de la UCA y en un principio se utilizará la “banda negativa” de los laboratorios que ya existen en la universidad.

El Taller se impartirá una vez por semana en sesiones de no más de 3 horas de duración.

Bibliografía

Bolter, Jay David y Gromala, Diane. Windows and mirrors, Interaction design, digital art and the mith of transparency, MIT Press, Cambridge, 2003

Hansen, Mark. New Philosophy for new media, MIT Press, Cambridge, 2004

Levin, Thomas, et.al. CTRL [SPACE]Rhetorics of Surveillance from Bentham to Big Brother, MIT Press, Cambridge 2002.

Lovejoy, Margot, Digital Currents: art in the electronic age, Routledge, New York, 2004

Manovich, Lev. The Language of New media, The MIT Press, Cambridge, 2002

Packer, Randall y Jordan, Ken. Multimedia: From Wagner to Virtual Reality, Edición ampliada, W. W. Norton & Company, New York, 2002

Paul, Christiane. Digital Art, Thames y Hudson, Londres, 2003

Rush, Michael. New media art, Thames y Hudson, Londres, 2005

Wilson, Stephen. Information Arts, MIT Press, Cambridge 2002

Zielinsky, Siegfried. Deep time of the media. Toward an Archaeology of hearing and seeing by technical means, MIT press, Cambridge, 2006.

---

[1] Las líneas de investigación que actualmente lleva adelante el Dr. Martín Bonadeo y que serán el puntapié inicial del TECAT son:

o Tecnologías expresivas que exceden el monitor (vista) y los parlantes (oído).

o Formas alternativas al reloj para la medición del tiempo.

o Formas alternativas a la brújula para la ubicación en el espacio.

Estas líneas de investigación y los resultados obtenidos hasta ahora pueden verse en www.martinbonadeo.com.ar

[2] http://www.hypermedia.ucla.edu/

[3] http://www.dma.ucla.edu/

[4] http://www.martinbonadeo.com.ar/desb.htm

[5] http://www.martinbonadeo.com.ar/muestrasu.htm

[6] http://plaza.bunka.go.jp/english/festival/backnumber/16/sakuhin/suisen/index.html

[7] http://www.martinbonadeo.com.ar/mumob.htm

Abierta la inscripción

A partir del miércoles 21 de marzo de 2007 comienzan las reuniones del TECAT. El primer seminario es una serie de 10 encuentros teórico-prácticos de discusión y producción conjunta entre profesores y estudiantes de los dos últimos años de todas las carreras de la UCA. La convocatoria está abierta y las vacantes son limitadas.
HORARIO: Miércoles de 16 a 18.30 hs. aula a definir en el edificio San Alberto Magno de Puerto Madero.
INSCRIPCION Y DUDAS: mandar mail a martinbonadeo@gmail.com